Best of rock!

Conflicts between members

2007-08-13T18:55:00.001-07:00

The Ramones always had a certain amount of tension, mainly between Joey and Johnny. The pair were highly politically antagonistic, Joey being a liberal, Johnny a conservative. There was also tension caused by their very different personalities; Johnny was a military brat who lived by a code of self-discipline, while Joey struggled with obsessive-compulsive disorder. It was Johnny who "stole" Joey's girlfriend Linda, whom he later married. Joey and Johnny didn't speak to each other for years afterwards. It is believed the song "The KKK Took My Baby Away", written by Joey, alludes to this enmity. Johnny did not call Joey before his death in 2001, but said in the documentary End of the Century that he was depressed for 'the whole week' after the singer's death.

Members

2007-08-10T16:28:00.000-07:00

The following is a complete chronology of the various line-ups of the Ramones, from the group's inception in 1974, until their break-up in 1996.
Ramones line-ups (1974)

* Dee Dee Ramone - bass, lead vocals
* Johnny Ramone - guitar
* Joey Ramone - drums

(1974)

* Joey Ramone - drums, lead vocals
* Johnny Ramone - guitar
* Dee Dee Ramone - bass

(1974-1978)

* Joey Ramone - lead vocals
* Johnny Ramone - guitar
* Dee Dee Ramone - bass, backing vocals
* Tommy Ramone - drums

(1978-1983)

* Joey Ramone - lead vocals
* Johnny Ramone - guitar
* Dee Dee Ramone - bass, vocals
* Marky Ramone - drums

(1983-1987)

* Joey Ramone - lead vocals
* Johnny Ramone - guitar
* Dee Dee Ramone - bass, vocals
* Richie Ramone - drums, vocals

(1987)

* Joey Ramone - lead vocals
* Johnny Ramone - guitar
* Dee Dee Ramone - bass, backing vocals
* Elvis Ramone - drums

(1987-1989)

* Joey Ramone - lead vocals
* Johnny Ramone - guitar
* Dee Dee Ramone - bass, vocals
* Marky Ramone - drums

(1989-1996)

* Joey Ramone - lead vocals
* Johnny Ramone - guitar
* C. J. Ramone - bass, vocals
* Marky Ramone - drums

Breakup and deaths

2007-08-08T21:37:00.000-07:00

Joey was diagnosed with lymphoma in 1995. In his later years he became an avid follower of yoga and health food. During the late 1990s, he started day trading NYSE stocks. Joey actually wrote a song about CNBC financial news reporter Maria "Money Honey" Bartiromo, entitled "Maria Bartiromo", which is included on his 2002 solo album Don't Worry About Me.

On July 20, 1999, all of the former members of the group except for Richie appeared together at Tower Records in New York City for an autograph signing. This was the last occasion on which the ex-members of the group appeared together before Joey's death. Johnny attempted to make peace with his longtime bandmate and rival Joey, but Joey would have none of it and simply ignored him. Joey Ramone died of lymphoma on April 15, 2001 in New York. Joey's last partially finished works were compiled as a posthumous solo album, Don't Worry About Me.

In 2002, the band was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame. At the ceremony, Johnny, Tommy, Marky, and Dee Dee spoke on behalf of the band. Johnny blessed George W. Bush and his presidency. Dee Dee congratulated and thanked himself. This was one of his last public appearances, because two months later he was found dead at his Hollywood home on June 5, 2002 following a heroin overdose. Also at the ceremony, Green Day played "Teenage Lobotomy" and "Blitzkrieg Bop" as a tribute to the Ramones, showing the influence that the Ramones had on later rock bands.

In the summer of 2004, the Ramones documentary End of the Century: The Story of the Ramones was released in theaters. Johnny Ramone, who had been privately battling prostate cancer, died on September 15, 2004 in Los Angeles, California; almost exactly as the film was released.

On the same day as Johnny's death, the world's first and only Ramones Museum opened its doors for the public. Located in Berlin, Germany, the Ramones Museum Berlin features more than 300 original memorabilia items from the Ramones, including a stage-worn jeans from Johnny Ramone, a stage-worn glove from Joey Ramone, Marky Ramone's sneakers and CJ Ramone's stage-worn bass strap. The Ramones are scheduled to be inducted into the Long Island Music Hall of Fame in 2007.

1990–1996

2007-08-06T12:42:00.000-07:00

After 16 years at Sire Records, the band moved to new label Radioactive Records with their 1992 album Mondo Bizarro, which also reunited them with producer Ed Stasium. Mondo Bizzaro was followed the next year with Acid Eaters, an album made entirely of cover songs.

In 1993 the Ramones appeared on an episode of The Simpsons ("Rosebud"). They were booked to sing "Happy Birthday" at Mr. Burns' birthday party, where they showed their distaste for the gig, shouting, "I'd just like to say this gig sucks!" from Joey, "Hey, up yours, Springfield!" from Johnny and "Go to hell, you old bastard!" from C.J. -- though Marky Ramone quipped, "Hey, I think they liked us!" Afterwards, Mr. Burns mistakenly ordered Mr. Smithers to "have The Rolling Stones killed."

The band also performed live at the VMA Awards in 1995, playing a short and fast medley with recent hits from Urge Overkill, Madonna and Stone Temple Pilots.

In 1995 they released what would be their last studio album, ¡Adios Amigos!. After a spot in the 1996 Lollapalooza festival, the Ramones went on a short club tour, and disbanded, reportedly due to ongoing personality clashes and frustration at not achieving success commensurate with their influence.

Their final show was on August 6, 1996 at the Palace in Hollywood.[31] The show was recorded, and later released on video and CD as We're Outta Here!. The show featured several special guests such as Lemmy from Motörhead, Eddie Vedder from Pearl Jam, Tim Armstrong and Lars Frederiksen of Rancid, and Chris Cornell (then in Soundgarden).
in yellow times The band appearing on The Simpsons.

greetings

1980–1989

2007-08-04T21:27:00.002-07:00

After the band's movie debut in Roger Corman's Rock 'n' Roll High School (1979), the legendary producer Phil Spector became interested in the Ramones and produced their 1980 album End of the Century. Dee Dee wrote in his book Lobotomy that, during the recording sessions, Spector pulled a gun on Dee Dee, and forced Johnny to play the opening chord to "Rock 'n' Roll High School" hundreds of times. The band would later consider this one of their "not-so-great" albums they had released, crediting tensions between the producer and the artists. Johnny recalls that he was disappointed with the outcome of End of the Century. When asked in interviews, Johnny would indicate that he favored the band's more aggressive punk material (he also conveyed this feeling with the title and track selection of the post-breakup collection cd, which he compiled: Loud, Fast Ramones: Their Toughest Hits); by contrast, End of the Century material such as the syrupy, string-section laden Ronettes cover "baby I love you" is entirely lacking in the guitarist's trademark "buzzsaw" sound.

In 1981 the Ramones released Pleasant Dreams, which continued the trend established by End of The Century of diluting the rawer punk sound showcased on the band's initial four albums. Instead, slick production was again featured, this time provided by Graham Gouldman of UK pop act 10 cc. Johnny would contend in retrospect that this direction was a record company decision and represented a continued futile attempt to get airplay on American radio. On August 1 of that year, however, while promoting the album, they did become the first band to be interviewed on the newly formed cable video station MTV, which temporarily provided a more receptive outlet for the band's music than FM. After the release of 1983's Subterranean Jungle, Marky Ramone was fired from the band because of his alcoholism and eventually replaced by Richard Reinhardt (under the name Richie Ramone). The first album the Ramones recorded with Richie was Too Tough to Die in 1984. The album was largely considered a return to form after the non-flattering pop-production techniques characterizing the previous three full length releases. Some rock critics contend that it represents their final high quality album.

In 1986 the Ramones were invited to record the soundtrack to the Sid and Nancy movie. During their work, some management problems developed, and the deal was canceled. However, a handful of songs created for this movie were included in their 1986 album Animal Boy. This uneven release, produced by Jean Beauvoir of NYC punk rock/heavy metal/shock rock act the Plasmatics, featured full throttle cartoon-hardcore punk rants such as the title song, a concession to the ongoing underground punk scene that the band helped to inspire, uncomfortably mixed with decidedly poppier material. In 1987 the band recorded their last album with Richie Halfway to Sanity. Halfway to Sanity was the first collaboration with producer and former Shrapnel (another late 1970s NYC punk band) guitarist Daniel Rey (Rey went on to co-write "Pet Semetary" with Dee Dee, produce the band's swansong album Adios Amigos!, and also produce solo albums by Dee Dee and Joey), and featured a more consistent display of the cartoonish punk/hardcore sound hinted at in Animal Boy. Longtime fans generally were not impressed, feeling that whatever this effort had going for it in terms of energy, it lacked the effervescent humor and originality of the bands vintage material. Richie left in August 1987, upset that after being in the band for five years, the other members would still not give him a share of the money they made selling t-shirts.

Marky was replaced by Clem Burke (Elvis Ramone) from Blondie. According to Johnny, the shows with Burke were a disaster. He was fired after two shows because his drumming couldn't keep up with the rest of the band. Marky, now clean and sober, returned.

Dee Dee Ramone left after 1989's Brain Drain, and was replaced by Christopher Joseph Ward (C.J. Ramone), who performed and recorded with the band until their break-up. However, Dee Dee did continue contributing to the music of the Ramones by lending his lyrics for use in later songs. Dee Dee left to pursue a brief solo career as a rapper, adopting the name Dee Dee King (based on B.B. King).

While the quality of band's recorded output may have been uneven during the 1980s, those 10 years comprised the middle period of their nearly nonstop touring on their way to 2,263 concerts

1974-1979

2007-08-03T15:40:00.000-07:00

The band held their rehearsals at Performance Studios on East 20th Street in NYC built and co-managed by Thomas Erdelyi and Monte A. Melnick. Impressed by the group, Erdelyi became the band's unofficial manager, and Melnick their tour manager. Soon after the band was formed, Dee Dee realized that he couldn't sing and play bass at the same time, so Joey became the band's lead vocalist (Dee would continue, however, to count off each song's tempo with his trademark rapid-fire shout of "1-2-3-4!"). Joey would also realize that he could not sing and play drums at the same time, and left the position of drummer. While auditioning new drummers, manager Thomas Erdelyi would often take the drums and demonstrate to auditioners how to play the songs. It became apparent that he was able to play the group's songs better than anyone else, and he joined the band as drummer Tommy Ramone.

The band played their first concert on March 30, 1974 at Performance Studios in New York. The songs they played were very fast and very short; most clocked in at under two minutes. In the early 1970s, a new music scene emerged in New York when many bands started to play in clubs on the Lower East Side of Manhattan, such as Max's Kansas City, and most famously CBGB's. Ramones concerts at CBGB's became legendary, due in part to their brevity: most concerts were twenty to thirty minutes long, much shorter than their contemporaries', and are often described by their witnesses as extremely fast, crude, energetic and desperate. The Ramones' live set was so short they sometimes needed to repeat it twice a show. Mostly, the songs would be performed back to back, but were also regularly interrupted by arguments among the band members. A few super–8 movies of these shows have survived, and are present in a couple of the band's later videos.

After garnering considerable attention for their performances at CBGB's, the group was signed to a recording contract by Seymour Stein of Sire Records in Autumn 1975. They soon recorded their debut album, Ramones on an extremely low budget; about $6,400. The band was plagued by hostile audience reactions outside of New York City; it wasn’t until they made a small tour of England that they began to see the fruits of their labor: a performance at The Roundhouse in London on July 4, 1976 (second-billed to the Flamin' Groovies) was a huge success. Their appearance galvanized the burgeoning UK punk rock scene, inspiring future punk stars, including members of The Clash, The Damned, and the Sex Pistols. The Flamin' Groovie/Ramones double-bill was successfully reprised at The Roxy in Los Angeles the following month, which also inspired local Los Angeles musicians.

On December 31, 1977, the Ramones recorded It's Alive, a double live concert album, at the Rainbow Theatre, London, which was released in April 1979. The title is a reference to the 1974 horror movie of the same name. Upon returning from England, they found themselves prophets without honor in their own country: their subsequent two albums, Leave Home and Rocket to Russia (both 1977), failed to become the hits the band desired. Both records were co-produced by Tony Bongiovi, the cousin of Jon Bon Jovi. Tommy, tired of touring, left the band at this time but continued to produce; he was replaced by Marc Bell, who became Marky Ramone.

The first three Ramones albums mainly contained songs written during their pre-contract years. Their fourth album, Road to Ruin, was fully packed with brand new songs, including some stylistic flourishes — acoustic guitar, several ballads, songs over three minutes — that might have been concessions to mainstream tastes, but the album still failed to chart highly. Despite excellent reviews for both their albums ("Rocket to Russia is the best American rock & roll of the year and possibly the funniest rock album ever made," Dave Marsh wrote in Rolling Stone magazine) and their live performances, the Ramones remained a cult band. The highly publicized dissolution of the Sex Pistols in 1978 seemed to signal the end of punk as a viable commercial force and branded the Ramones as forever outsiders.

History

2007-08-02T18:37:00.000-07:00

The pre-history of the band is centered in and around the middle-class neighborhood of Forest Hills in the New York City borough of Queens. The band members were drawn together by a mutual love of the New York Dolls, The Stooges, MC5 and 1960s garage rock.

Most of the members had been in various bands since the late 1960s - Johnny and Tommy had both been in a high school garage band circa 1966-67 known as the Tangerine Puppets, and Joey was in the short-lived early 1970s glam rock band Sniper. The initial version of the Ramones included Jeffry Hyman on drums, John Cummings on guitar, and Douglas Colvin on bass and lead vocals. Colvin was the first to use the name Ramone, calling himself Dee Dee Ramone. He was inspired by the fact that Paul McCartney used the pseudonym Paul Ramone (although some accounts say Paul Ramon) when he checked into hotels. Producer Phil Ramone was said to be another influence in choosing the name. The other members followed suit and adopted new stage names; Hyman became Joey Ramone, reportedly after bubblegum pop music vocalist Joey Levine, Cummings became Johnny Ramone, and the group became known as the Ramones.

now in english

2007-08-01T21:34:00.000-07:00

The Ramones were an American band often regarded as the first punk rock group.

After forming in Forest Hills, Queens, New York in 1974, they performed 2,263 concerts, touring virtually nonstop for 22 years. In 1996, after a tour with the Lollapalooza music festival, the band went on a brief nightclub tour and then disbanded. The bands three founding members —Joey Ramone, Johnny Ramone and Dee Dee Ramone—died within eight years after the breakup.

The Ramones never achieved much commercial success during their years of recording and performing. Their only album to reach certified gold status in the U.S. was their compilation album Ramones Mania. Appreciation of the band has grown since the 1980s, and they now regularly appear on "all-time greatest" lists, such as Rolling Stone’s list of 100 Greatest Artists of All Time, VH1's 100 Greatest Artists of Hard Rock and Mojo's 100 Greatest Albums. In 2002, the Ramones were voted the second greatest rock and roll band ever in Spin Magazine, trailing only The Beatles. On March 18, 2002, they were inducted into the Rock and Roll Hall of Fame

Miembros

2007-08-01T07:56:00.000-07:00

Los miembros de la banda adoptaron el apellido "Ramone", basándose en un seudónimo utilizado por Paul McCartney en una de sus estancias con los Beatles en Hamburgo (Paul Ramone).

Miembros originales

* Joey Ramone (* 19 de mayo de 1951 - † 15 de abril de 2001) (cuyo nombre real era Jeffry Hyman) (voz)
* Johnny Ramone (* 8 de octubre de 1948 - † 15 de septiembre de 2004) (cuyo nombre real era John Cummings) (guitarra)
* Dee Dee Ramone (* 18 de septiembre de 1952 - † 5 de junio de 2002) (cuyo nombre real era Douglas Glen Colvin) (bajo) (1974-1989)
* Tommy Ramone (* 29 de enero de 1949) (cuyo nombre real era Thomas Erdelyi) (batería) (1974-1978)

Miembros posteriores

Los miembros que se incorporaron más adelante a la banda también adoptaron el apellido "Ramone":

* Marky Ramone (* 15 de julio de 1956) (cuyo nombre real era Marc Bell) (batería)
* Richie Ramone (* 11 de agosto de 1957) (cuyo nombre real era Richard Reindhart) (batería)
* CJ Ramone (* 8 de octubre de 1965) (cuyo nombre real era Christopher Joseph Ward) (bajo)
* Elvis Ramone (* 24 de noviembre de 1955) (cuyo nombre real era Clem Burke y que apenas participó en dos conciertos de la banda) (batería).

Un miembro anterior, Ritchie Ramone (no confundir con Richie Ramone), dejó la banda antes del primer disco. El texto "Here lies Ritchie Ramone" ("Aquí yace Ritchie Ramone") se puede observar en una lápida en un dibujo del interior del álbum Rocket to Russia

1990-1996

2007-07-31T14:49:00.002-07:00

En enero de 1990 Joey Ramone sufrió un accidente durante una presentación en el Ritz de Nueva York en el cual sufrió una rotura de ligamentos cruzados en su pierna que le obligó a mantener seis semanas de reposo. Ese años, Sire records lanzó All the Stuff (And More), un álbum doble donde se incluyeron versiones reeditadas de sus dos primeros discos y otros demos y temas inéditos.

Poco después, el grupo viajó Toronto y actuó en la película de Bill Fishman Car 54, Where Are You?, film inspirado en una serie que llevaba el mismo nombre trasmitida a fines de los años 1960. Además, los Ramones se presentaron en Canadá, Bélgica, Suecia y Finlandia y tocaron en el primer festival de música realizado luego de la reunificación de Alemania. En los shows tocaron nuevamente junto a Iggy Pop y en Bélgica lo hicieron con Sonic Youth y The Pogues.

En el año 1991 se editó Loco Live, un álbum grabado en vivo en España. A su vez, el 26, 27 y 28 de abril de 1991 los Ramones hicieron su segunda incursión en Buenos Aires, Argentina presentándose en el estadio Obras Sanitarias. En julio de ese año, Marky y Joey participaron como panelistas del seminario Rock the Vote, una entidad encargada del registro de votantes y la adopción de incentivos para que la gente participe en la política activamente. Los Ramones filmaron un video para esta organización que se difundió por MTV.

Un año más tarde la banda grabó Mondo Bizarro, álbum editado por Radiactive Records y producido por Ed Stasium que contó nuevamente con la participación de Dee Dee Ramone en la composición. El 16 de septiembre Ramones se presentó nuevamente en la Argentina realizando cuatro shows a sala llena en el estadio Obras Sanitarias.

El próximo disco del grupo fue Acid Eaters, un álbum de covers de temas de los años 1960 grabado en tan solo una semana. Recién en 1995, dos años después de Acid Eaters, el grupo grabó el que sería su último álbum de estudio, ¡Adiós Amigos!, donde Daniel Rey y Dee Dee Ramone colaboraron activamente en la composición.

Más tarde ese año, Ramones se presentó 6 días seguidos a sala llena en el estadio Obras Sanitarias de Argentina. Los telonearon bandas importantes de la escena punk argentinas como Flema, Attaque 77 ,2 minutos, Doble Fuerza, Mal Momento, Cadena Perpetua y Superuva y, por primera vez, el grupo tocó "Spider-Man" y "R.A.M.O.N.E.S." (una canción que compuso Lemmy Kilmister a modo de homenaje) en vivo.

El 26 de febrero de 1996 la banda tocó en The Academy, Nueva York en un recital que daría lugar al álbum en directo Greatest Hits Live. El 16 de marzo de ese año Ramones volvió una vez más a la Argentina para dar su último concierto en Sudamérica y, según lo que habían calculado, el último de su carrera. El grupo llenó el estadio Monumental del Club Atlético River Plate con 45.000 personas presenciando el recital. Sin embargo, poco después Ramones decidió tocar en algunos recitales del festival Lollapalooza en los Estados Unidos antes de su separación. Su último recital fue el 6 de agosto de 1996, en The Palace, Los Ángeles y su último disco, We're Outta Here, contiene la grabación de ese show.

1980-1989

2007-07-30T15:58:00.000-07:00

En 1980 fue lanzado al mercado End of the Century, el único disco del grupo producido por Phil Spector. Según las palabras de Dee Dee años después, Spector los amenazó con una pistola para que permanecieran dentro del estudio de grabación y terminaran de grabar los temas del disco a tiempo. El estilo perfeccionista de Spector contrastó con la disciplina impuesta hasta ese entonces por Tommy, que no solamente se había encargado de coproducir sus primeros álbumes sino que también fue responsable del "concepto Ramone": declaraciones, posturas y respuestas que los mostraban como una "familia feliz".

Un año más tarde, Ramones grabó Pleasant Dreams, producido por el ex integrante de 10cc Graham Gouldman. La crítica musical coincidió en general respecto al cambio del estilo ramonero a uno claramente más ligado al pop. Aún así, en su mayoría los fanáticos de la banda dieron el visto bueno a Pleasant Dreams y convirtieron en hits los temas "She's a Sensation" y "Don't Go". Ese mismo año, la banda también reemplazó a su mánager Danny Fields por Gary Kurfirst.

El grupo no volvió a grabar hasta 1983, cuando fue emitido Subterranean Jungle, un álbum que trajo aparejado distintas polémicas entre sus seguidores y peleas internas entre Dee Dee, Joey y Johnny. Al mismo tiempo, Marky Ramone dejó la banda por problemas de alcoholismo durante la grabación del disco por lo cual Billy Rogers debió tocar la batería en el tema "Time Has Come Today".

Poco después ese año, Johnny debió ser operado y estuvo a punto de morir a causa de una pelea. Como consecuencia de las salidas de Marky y Johnny (aunque éste último temporalmente), la continuidad de Ramones tambaleó. Sin embargo, el lugar de la batería fue ocupado por Richard Reinhardt (Richie Ramone) y dos años más tarde, con Johnny Ramone finalmente recuperado, salió a la venta Too Tough to Die (en español "demasiado fuerte para morir", nombre elegido en honor al incidente de Johnny). De este disco también salió su primer número uno en un ranking, "Howling at the Moon".

En el año 1986 los Ramones lanzaron su noveno álbum de estudio, Animal Boy, un disco endurecido y con sonido más heavy. Además, el grupo obtuvo el premio "single del año" en los New York Music Awards gracias a "Bonzo Goes to Bitburg" (renombrado para los Estados Unidos "My Brain Is Hanging Upside Down"), un tema que trataba sobre la reciente visita del presidente norteamericano Ronald Reagan al cementerio de Bitburg donde habían sido enterrados varios de los fallecidos miembros de la SS nazi. Un años después, Animal Boy ganó el premio a mejor álbum en el New York Music Awards. En ese mismo año, el grupo lanzó Halfway to Sanity donde Debbie Harry, cantante de Blondie, prestó su colaboración para la canción "Go Lil' Camaro Go".

En 1988 se emitió el álbum recopilatorio doble Ramones Mania y el escritor Stephen King les propuso componer el tema central para la película Pet Sematary, basada en un libro de su autoría. En 1989 la banda editó Brain Drain donde lograron un sonido más prolijo y cuidado. El álbum fue el primero de Ramones con Chrysalis Records y, además, fue el último con Richie en la batería, ya que Marky regresó recuperado de sus problemas con el alcohol, y de Dee Dee como bajista, ya que decidió emprender una carrera solista como rapero donde no tuvo mucho éxito. Christopher John Ward (C.J. Ramone), un fanático de la banda de 18 años, ingresó como su reemplazante brindándole al grupo un aire de renovación. C.J. fue rechazado en un principio, dado que Dee Dee era muy popular entre los fanáticos pero, con el tiempo, el bajista se ganó la aprobación del público.

Historia

2007-07-29T20:01:00.000-07:00

1974-1979

Ramones tuvo sus inicios en Forest Hills (Queens) en el año 1974. Estaba originalmente formada por John Cummings (Johnny Ramone) en guitarra, Jeffry Hyman (Joey Ramone) en batería, Douglas Glenn Colvin (Dee Dee Ramone) en bajo y eventualmente voz y algún vocalista ocasional. El grupo comenzó a ensayar con esa formación temas rápidos y cortos en un garage hasta que, con el tiempo, la formación fue reconstituida ya que Dee Dee se sentía incómodo tocando y cantando al mismo tiempo. La nueva formación fue con Johnny en guitarra, Dee Dee en bajo, Joey en voz y Tamás Erdélyi (Tommy Ramone), que hasta ese entonces había sido el mánager de la banda, en batería. La música de Ramones (apellido que utilizaba Paul McCartney para registrarse en los hoteles) se caracterizó por su rapidez tempística y simplicidad instrumental, factores que serían característicos en la escena punk neoyorquina.

Músicalmente, los Ramones mezclaban diferentes corrientes. Por un lado, utilizaban bases del power-pop y, por el otro, se apoyaban en el glitter rock. De ahí nace el típico sonido Ramones. Las letras de sus composiciones trataban temas triviales de la vida sugiriendo soluciones simples a determinadas frustraciones.

Con el sonido redondeado, los temas listos y las gastadas camperas de cuero que fueron a lo largo del tiempo su marca estética, la banda tocó por primera vez en el CBGB de Nueva York, lugar que por entonces era el sitio de reunión del naciente movimiento punk. La primera actuación de Los Ramones resultó casi funesta, pero no hizo demasiada mella en los cuatro integrantes de Queens. Su primer show fue el 16 de agosto de 1974 ante media docena de personas donde tocaron un acelerado set de veinte temas en 17 minutos. Luego de eso, el dueño del lugar, Hilly Cristal, les dijo "no le van a gustar a nadie, pero los espero de vuelta".

Entre el 2 y el 19 de febrero de 1976, y con 6.400 dólares de gastos, grabaron de su primer álbum, al que llamaron simplemente Ramones. La encargada de grabarlo fue Sire Records, una pequeña discográfica desconocida hasta el momento, y el productor fue Craig Leon. Cuando el disco salió a la venta, se los acusó de ser una ofensa nacional por sus letras, su fachada y la velocidad con la que tocaban.

Aún en 1976, un empresario inglés contrató a los Ramones y los llevó a su país para tocar en el Roundhouse de Londres. A lo largo de las tres funciones que ofrecieron (la primera fue el 4 de julio) un público ávido de música diferente al popular rock progresivo de la época los ovacionó. Entre ese gentío, se encontraban quienes más tarde se convertirían en la otra rama importante de la primera ola del punk: Johnny Rotten, Sid Vicious, Joe Strummer, Paul Simonon, Captain Sensible, Dave Vanian y Paul Cook, integrantes Sex Pistols, The Clash y The Damned, además de Malcolm McLaren, mánager de los Sex Pistols.

En 1977 fue emitido el segundo trabajo musical del grupo, Leave Home, y un año después, llenaron el popular Palladium de su ciudad de origen. Más tarde ese mismo año, Ramones lanzó Rocket to Russia y emprendió una gira junto a Iggy Pop, uno de los ídolos de los integrantes. En 1978, Tommy dejó la posición de baterista para dedicarse únicamente a la producción del grupo. Su último show fue el 4 de mayo de ese año en un recital a beneficio del baterista de Dead Boys Johnny Blitz y, poco después, se decidió que Marc Bell (Marky Ramone) sea su reemplazante.

A partir de la deserción de Tommy, Johnny tomó un rol más participativo en la composición y los conflictos entre él y Joey comenzaron a aparecer. Por su parte, Joey enfatizaba en la necesidad de emitir un álbum que sea exitoso y popular, mientras que Johnny no consideraba prioritaria la popularidad del grupo. El resultado fue la diversidad estilística entre el pop ("Don't Come Close" y "Needles & Pins" por ejemplo) y el punk rock clásico ("I Wanna Be Sedated") de Road to Ruin, editado en 1978.

En 1979, Ramones, lanzó al mercado el álbum en directo It's Alive, grabado el 31 de diciembre de 1977 en el Rainbow Theatre de Londres. El disco incluía veintiocho temas tocados a una gran velocidad y potencia. Ese año también aparicieron en una película de clase B dirigida por Allan Arkush llamada Rock 'n' Roll High School para la cual grabaron algunos temas de la banda sonora.

RAMONES

2007-07-27T20:59:00.000-07:00

Si, le toco a the ramones el turno ahora, banda que a muchos les encanta y otros muchos la detestan. De todas forma nadie puede negar que fue una banda que marcó presencia en la historia.

Ramones fue una influyente banda de Rock formada en Forest Hills, en la comuna de Queens, Nueva York, Estados Unidos en el año 1974. El grupo fue pionero del naciente género punk rock, un sonido simple, minimalista y repetitivo que evitaba la musicalidad de los solos de guitarra de las bandas de los años 1970. El género consistía básicamente en un sonido crudo, rápido y directo con influencias directas en los grupos rockabilly de los años 1950 y de bandas como New York Dolls, MC5 y The Stooges que, con el tiempo, serían calificadas como proto-punk.

Ramones lideró el movimiento punk de la primera ola en Nueva York, al punto que muchas veces se la considera la fundadora musical del punk rock en los Estados Unidos, como a los Sex Pistols en Inglaterra. En CBGB compartieron escenario con Television, The Heartbreakers, Blondie y Richard Hell, entre otros grupos.

La banda se disolvió en 1996, luego de culminar el último show de su gira mundial en Argentina para luego retirarse en el festival Lollapalooza. En 2002 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock.

videos de foo fighters

2007-07-26T20:15:00.001-07:00

Foo Fighters: DOA

Foo Fighters Best Of You

Foo Fighters discography

2007-07-25T15:27:00.000-07:00

Studio albums

* Foo Fighters July 4, 1995 #23 US (Platinum) #3 UK (Gold) Capitol Records
* The Colour and the Shape May 20, 1997 #10 US (2x Platinum) #3 UK (Gold) Capitol Records
* There Is Nothing Left to Lose November 2, 1999 #10 US (Platinum) #10 UK (Gold) RCA Records
* One by One October 22, 2002 #3 US (Platinum) #1 UK (Platinum) #1 IRE RCA Records
* In Your Honor June 14, 2005 #2 US (Platinum) #2 UK (2x Platinum) #2 IRE RCA Records
* Echoes, Silence, Patience and Grace Tentative September 25th Release Date, 2007 RCA Records

Live albums

* Skin and Bones November 7, 2006 #21 US, #35 UK RCA Records

DVDs

* Everywhere But Home November 25, 2003 U.S. Certification: Gold
* Skin and Bones November 20, 2006
* Live At Hyde Park December 02, 2006 Australian Release
* Skin and Bones & Live At Hyde Park November 20, 2006 UK Release
EPs

* Five Songs and a Cover November 20, 2005 RCA Records

Band members

2007-07-23T20:16:00.000-07:00

Current members

* Dave Grohl - lead vocals, guitar, drums
* Taylor Hawkins - drums, percussion, vocals (1997-present)
* Nate Mendel - bass guitar (1995-present)
* Chris Shiflett - guitar, backing vocals (1999-present)

Former members

* William Goldsmith - drums, percussion (1995-1997)
* Pat Smear - lead guitar, backing vocals (1995-1997)
* Franz Stahl - lead guitar, backing vocals (1997-1999)

Foo Fighters

2007-07-22T11:08:00.001-07:00

Six months after Kurt Cobain's death in 1994, Grohl entered Robert Lang's Studio in Seattle with friend/producer Barrett Jones. With the exception of a guitar part on "X-Static" by Greg Dulli of the Afghan Whigs, Grohl played every instrument and sang every vocal on the tracks. Lured to Capitol Records by former Nirvana A&R (and then-Capitol president) Gary Gersh, Grohl had the demo recordings professionally mixed, with the results eventually becoming the Foo Fighters' self-titled debut album.

Grohl did not want the Foo Fighters to be a one-man studio project, so he worked to form a band to support the album. Initially, former bandmate Krist Novoselic was a main candidate for the band, but both became concerned that it might portray Foo Fighters as a reincarnation of Nirvana. Having heard through the grapevine about the disbanding of Seattle-based emocore band Sunny Day Real Estate, Grohl drafted SDRE's bass player, Nate Mendel, and drummer, William Goldsmith. Pat Smear, who was an "unofficial member" of Nirvana after the release of In Utero, was added as a second guitarist, completing the band. The Foo Fighters undertook their first major tour in the spring of 1995, opening for Mike Watt.

The band's first single "This Is a Call" was released in June of 1995, and their eponymous debut album was released the next month. "I'll Stick Around" and "Big Me" were released as subsequent singles. The band spent the months following the album's release on tour, including their first appearance at the Reading Festival in England in August. A later UK tour included a pair of nights at Brixton Academy, which were taped and compiled for an MTV special.

The Colour and the Shape

After touring through the spring of 1996, the now full-band Foo Fighters entered a Seattle studio with producer Gil Norton to record the band's second album. However, conflict erupted between Grohl and Goldsmith, resulting in Goldsmith's decision to leave the band. The band regrouped in Los Angeles and almost completely re-recorded the album with Grohl on drums. The album, The Colour and the Shape, was released on May 20, 1997.

In need of a drummer, Grohl contacted Alanis Morissette's touring drummer Taylor Hawkins to see if he could recommend anybody. Grohl was surprised when Hawkins volunteered himself. Hawkins made his Foo debut in time for the album's release. In September of 1997, in front of a crowded street outside the MTV Video Music Awards, Pat Smear simultaneously announced his departure from the band and introduced his replacement, Grohl's former Scream bandmate Franz Stahl. Prior to the recording of the band's third album, Stahl departed the band, citing creative differences. The band auditioned a number of potential guitarists, and eventually settled on Chris Shiflett, who previously performed with No Use for a Name and Me First and the Gimme Gimmes. Shiflett initially joined the band as touring guitarist, but achieved full-time status prior to the recording of the group's fourth album.

There Is Nothing Left to Lose

Before the release of There Is Nothing Left to Lose, Capitol president Gary Gersh was forced out of the label. Given Grohl's history with Gersh, the Foo Fighters' contract had included a key man clause that allowed them to leave the label upon Gersh's departure. They subsequently left Capitol and signed to RCA. (Gersh eventually joined forces with former Nirvana manager John Silva to form GAS Entertainment, a company that manages the Foo Fighters and other artists such as Jimmy Eat World, Beck, and the Beastie Boys.)

In 2000, the band generated controversy through their public support of Alive and Well, an organization that disputed the established medical belief of a link between AIDS and HIV. The organization also questioned the validity of HIV tests and the safety of HIV and AIDS medications. Foo Fighter bassist Nate Mendel learned of Alive and Well through a book written by its founder, "What If Everything You Thought You Knew about AIDS Was Wrong?". Mendel passed around the book to the rest of the band, who supported his advocacy. In January of 2000, the band played a benefit concert for the organization, and passed out literature to the audience. The band's support alarmed many in the medical community, who noted that the organization's beliefs ran contrary to most medical studies on HIV and AIDS, and questioned the responsibility of a musical group pushing unproven and possibly life-threatening beliefs on its fans. Initially, Mendel spoke of holding more benefits. However, in ensuing years, the band significantly reduced its public support of the organization. Today, their support consists mainly of a link on their official website.

One notable moment in the band's history came in February of 2000, when American late-night talk show host David Letterman invited the Foo Fighters to perform on his first show after undergoing heart bypass surgery. Letterman introduced them by proclaiming, "My favorite band, playing my favorite song," leading into a performance of "Everlong".

In 2000, the Foo Fighters established a relationship with rock band Queen. Early that year, guitarist Brian May added a guitar track to the Foo Fighters' second cover of Pink Floyd's "Have a Cigar", which appeared on the soundtrack to the movie Mission Impossible 2. When Queen was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in March of 2001, Grohl and Hawkins were invited to perform with the band on "Tie Your Mother Down", with Grohl filling in on vocals for the late Freddie Mercury. In 2002, guitarist May contributed guitar work to "Tired of You" and an outtake called "Knucklehead". The bands have performed together on several occasions since, including VH1 Rock Honors and the Foo Fighters' headlining concert in Hyde Park.

One by One

Near the end of 2001, the band reconvened to record their fourth album. After spending four months in a Los Angeles studio completing the album, Grohl spent some time helping the Queens of the Stone Age complete their 2002 album Songs for the Deaf. Once the Queens of the Stone Age album was finished, Grohl, inspired by the sessions, decided to reconvene the Foo Fighters to rework a few songs on their album. Instead, they re-recorded nearly all of the album (save "Tired of You") in a ten-day stretch at Grohl's studio in Virginia. The final album was released in October of 2002 under the title One by One. (Hawkins jokingly refers to the first version of the album as the "Million Dollar Demos".)

For most of its history, the band chose to stay away from the political realm. However, in 2004, upon learning that George W. Bush's presidential campaign was using "Times Like These" at rallies, Grohl decided to lend his public support to John Kerry's campaign. Grohl attended several Kerry rallies and occasionally performed solo acoustic sets. The entire band eventually joined Grohl for a performance in Arizona coinciding with one of the presidential debates. Grohl later cited his experiences with the Kerry campaign as inspiration for the title of their next album.

In Your Honor and Skin and Bones

The band's next studio album was a double CD, In Your Honor, released on June 14, 2005. To record the album, the band shifted to Los Angeles and built a recording studio, dubbed Studio 606 West. Grohl said that the two-disc release – one full of rock songs, the other featuring acoustic tracks – was a perfect memorial for the band's 10th anniversary. Grohl hinted about the release in an interview with NME magazine: "It's really amazing. The good thing about doing it is that you split it up so that there's no middle ground. So the rock stuff is the most rocking stuff we've ever worked on, ever."

Of note on the acoustic part of the set is a song called "Friend of a Friend", which has a surprisingly long history. Grohl wrote the song in 1990, basing it on his initial impressions of Cobain and Novoselic after joining Nirvana. He recorded the song in 1990, and included it on an informal collection of songs (called Pocketwatch) released on cassette in 1992 under the pseudonym "Late!". The version on In Your Honor is very similar to the original recording (albeit more polished), with Grohl simply accompanying himself on an acoustic guitar.

Three days before the release of In Your Honor, on June 11, 2005, MTV2 aired 24 Hours of Foo, a special live broadcast hosted by the Foo Fighters. The band took over the MTV2 airwaves for an entire day to host a selection of music videos and live events.

During promotion of In Your Honor, Grohl had the chance to feed his fascination with UFOs when the Foo Fighters performed a show in a hangar at the Roswell Industrial Air Center in Roswell, New Mexico. The Roswell Industrial Air Center is the site of the former Roswell Army Air Field where the fragments of the supposed alien crash landing in 1947 were stored. (Grohl named his label Roswell Records for the incident.) Grohl commented after the show that he wished he had had a chance to examine what was being stored inside the hangar.

On June 17, 2006, the Foo Fighters performed their largest non-festival headlining concert to date at London's Hyde Park. The band was supported by Juliette and the Licks, Angels & Airwaves, Queens of the Stone Age, and Motörhead. Motörhead's Lemmy joined the band on stage to sing "Shake Your Blood" from Dave Grohl's Probot album. Also, as a surprise performance, Brian May and Roger Taylor of Queen jammed with the Foo Fighters, playing part of "We Will Rock You" as a lead into "Tie Your Mother Down".

In further support of In Your Honor, the band decided to organize a short acoustic tour for the summer of 2006. The tour included former guitarist Pat Smear, who rejoined the band as an extra guitarist, Petra Haden on violin, and Rami Jaffee of The Wallflowers on keyboards/piano. Much of the setlist focused on In Your Honor's acoustic CD. The band also used the opportunity to play lesser-known songs such as "Ain't It The Life", "Floaty", and "See You". The band also performed "Marigold", a Pocketwatch-era song that was best-known as a Nirvana B-side.

In November 2006, the band released their first ever live CD, Skin and Bones, featuring fifteen performances captured over a three night stand in Los Angeles. An accompanying DVD was released on November 28, 2006, and featured tracks not available on the CD.

Echoes, Silence, Patience and Grace

For the followup to In Your Honor, the band decided to call in The Colour and the Shape producer Gil Norton. In an interview with XFM, Grohl noted that the band was eager to expand on their signature sound: "So the album that we're making sounds like a Foo Fighters album, but it's definitely moving in a few different directions. It's cool man, I love it."[4]. The new album, titled Echoes, Silence, Patience and Grace, is set for release on September 25, 2007.

Not long after completing the recording sessions for the album, the band participated in Live Earth at Wembley Stadium in London, England, performing the penultimate set of the night.

Foo Fighters

2007-07-20T10:16:00.000-07:00

Ya que hablamos de Dave Grohl sigamos por ahi y hablemos de foo fighters

Historia

Durante el tiempo en el que fue miembro de Nirvana, Dave escribió varias canciones por su cuenta que no le parecieron del todo acorde al sonido de esa banda. Por esta razón no introdujo la totalidad de ellas a sus compañeros, y decidió grabar un demo por su cuenta bajo el pseudónimo Late!, nombrando el álbum como Pocketwatch. La edición de este demo se hizo en apenas un ciento de cassettes, que Grohl repartió únicamente entre sus amistades y sin pretensión alguna de editarlo comercialmente.

Tras la muerte de Kurt Cobain, Grohl decidió seguir adelante con su carrera musical. Regresó al estudio por cuenta propia para grabar otras cuantas canciones más que ya había escrito, esta vez bajo el pseudónimo de Foo Fighters. Él mismo grabó todos los instrumentos en todas las canciones, a excepción de una guitarra de acompañamiento cortesía de su amigo Greg Dulli (guitarrista de Afghan Wigs). Igualmente editó esta grabación en cassette y la repartió entre sus amigos. Sin embargo en esta ocasión, recibió muy buenos comentarios e incluso una de las canciones, This is a Call, empezó a tener rotación en la radio angelina; razón por la cual decidió formalizar lo que hasta el momento era sólo un proyecto y reclutó a otros músicos para formar una banda oficialmente.

Fue así que dio inicio a los Foo Fighters, cuyo nombre proviene de la forma en que llamaban los alemanes a los objetos voladores no identificados (OVNI) durante la Segunda Guerra Mundial. Invitó como guitarrista a su compañero de reciente ingreso a Nirvana, Pat Smear, y a Nate Mendel y William Goldsmith del grupo Sunny Day Real Estate para tocar el bajo y la batería, respectivamente. Este primer disco cosechó buenos comentarios por una parte de la crítica profesional, y en el plano comercial no le fue nada mal, consiguiendo disco de platino. Algunas canciones de este álbum fueron compuestas mientras era miembro de Nirvana, siendo por ejemplo Big Me (mejor video del '95 según MTV) tocada en algunas ocasiones con Dave Grohl en la batería.

Tras el súbito éxito que tuvo la banda, estuvieron de gira durante varios meses presentándose por todo Estados Unidos y algunas ciudades en Europa (incluido el éxito masivo en el Reino Unido). Aun así, tras casi dos años de gira exhaustiva Pat Smear decide dejar la banda debido al agotamiento. En 1997 regresan al estudio para grabar su segundo álbum, The Colour And The Shape, el cual contiene grandes éxitos como Monkey Wrench, My Hero, Hey! Jonnhy Park y Everlong. Para la grabación del disco, William Goldsmith fue requerido sólo en Doll y Up in Arms, siendo así que deja el grupo. Cabe destacar que este disco no tuvo éxito comercial, aunque una parte de la crítica lo proclamó como uno de los mejores discos de rock de la década de los '90.

Después de reclutar a Taylor Hawkins (ex-miembro de Hot Chocolate, la banda en vivo de Alanis Morissette) para tomar las labores de la batería, y a Franz Stahl (ex-compañero de Grohl en la banda Scream) en las guitarras, volvieron a salir de gira para promocionar el nuevo disco. En esta ocasión pudieron visitar aún más ciudades en Europa, así como lugares en Asia y Australia.

En 1999, Grohl decide tomar un descanso y regresar a su natal Virginia. Después de un par de meses de radicar ahí, convierte el sótano de su casa en estudio de grabación donde comienzan a trabajar en lo que se convertiría en su tercer álbum, There is Nothing Left to Lose. Este disco contaría con un tono mucho más melódico que sus predecesores. De éste se desprenden temas como Breakout (que se incluiría en la banda sonora de la pelicula Irene y yo, y mi otro yo), Next Year (banda sonora de la serie televisiva Ed), Generator, Stacked Actors y Learn to Fly. Poco antes del lanzamiento del disco, el grupo inicia una serie de castings para encontrar a su nuevo guitarrista; y fue así que Chris Shifflet de Me First and the Gimme Gimmes fue reclutado y se embarcó con ellos a una nueva gira mundial.

A finales del 2001 con su nuevo guitarrista regresan a Virginia para trabajar en un nuevo disco que no satisfizo las expectativas de Grohl, razón por la cual decide abandonar las sesiones de grabación y tomar un receso. Durante este tiempo grabó las baterías en el disco Songs for the Deaf de Queens of the Stone Age, saliendo también de gira con ellos durante 2002. Shifflet trabajó también en un proyecto propio durante este tiempo, un grupo de punk llamado Jackson (ahora Jackson United). Habiendo retomado nuevos bríos, la banda regresa al estudio para grabar en tan sólo dos semanas One by One, su nueva producción. Esta grabación se compuso de canciones como All my Life, Low, Overdrive, Comeback, Have it All y Times Like These. El video de Low fue tremendamente criticado y censurado en muchas emisoras del mundo. Este disco les sirvió para consolidarse definitivamente como una de las propuestas de rock alternativo más importantes y vigentes de nuestros días, viajando nuevamente de gira por todo el planeta.

Para el 2004 deciden mudarse a Los Angeles y construir un nuevo estudio en una gran bodega. Sin embargo, la grabación de un nuevo álbum debía justificarse con la redefinición del sonido del grupo. Por esta razón deciden llevar a los extremos sus composiciones trabajando en un álbum doble que se compondría de un disco con canciones rockeras y potentes; y otro más con canciones sólo acústicas. El día 14 de Junio de 2005 sale a la venta"In Your Honor". Dave Grohl admitió que estaba enojado consigo mismo ya que grabó muy rápido el disco One by One y no le gustó el contenido; así pues le puso más atención a éste nuevo. Según sus palabras, Dave Grohl dijo: "Si en 20 años más un hijo le pregunta a su padre, ¿conoces a los Foo Fighters?, ¿Qué disco debería tener?, sin duda alguna la respuesta seria, "In Your Honor". Con esta declaración Dave Grohl deja más que claro, que este disco es el primero que ha realizado con tanto trabajo y que le parece simplemente fenomenal. En este álbum se destaca por ser un disco doble DualDisc, en el primer disco se puede notar bastante influencia del Heavy Metal especialmente en canciones como "Free Me", las demás estan dentros de los parametros del Hard Rock, entre ellas sobresale "No Way Back", "Best Of You", "End Over End", "Doa" y otras. En el segundo disco se puede notar influencias del rock alternativo, además de tener formato acústico, es más relajante y melancólico que el anterior, y a momentos la voz de grohl se compara a la de un trovador, las canciones más rescatahble son: "Miracle", "Over & Out", "Friend of a Friend", "Virginia Moon" con Norah Jones y otras más

El año 2006 Foo Fighters ha lanzado su último disco, Skin And Bones (2006), en el cual han grabado en vivo sus canciones más conocidas en un formato acústico.

El próximo 25 de septiembre Foo Fighters estará presentando su nuevo trabajo discográfico que tentativamente llevará en nombre de Echoes, silence, patience and grace.

El disco contará con 12 temas y éste ha contado con la colaboración del guitarrista Kaki King en el tema “The Ballad of the Beaconsfield Miners”, por ahora la banda tiene previsto comenzar su gira por los Estados Unidos en Septiembre, en el Reino Unido en Noviembre y en Australia en el mes de Diciembre.

Dave Grohl

2007-07-19T15:26:00.000-07:00

David Eric Grohl (nacido el 14 de enero, 1969 en Warren, Ohio) es un músico de rock. Fue el baterista de Nirvana desde 1990 hasta la disolución de la banda en 1994, como consecuencia de la muerte del cantante y guitarrista Kurt Cobain. Luego formaría a los Foo Fighters en 1995. Grohl empezó su carrera musical en los años 80s como baterista para varias bandas del área de Washington, DC, notablemente la banda de punk Scream. Actualmente trabaja junto a Lee Levy y Gabriel Behrens en un proyecto paralelo conocido como Godspeed en donde se desempeña como baterista; el lanzamiento oficial de su disco será el 3 de marzo del 2007.

En el 2006 colaboró ampliamente en el disco Four on the floor, con la banda Juliette and the Licks
Primeros Años

Cuando Grohl era un niño, su familia se mudó de Ohio a Alexendria, Virginia, un suburbio de Washington DC. 3 años más tarde, sus padres se divorciaron y Grohl creció con su madre.

A la edad de 12, Grohl empezó a tocar la guitarra. Intentó tomar lecciones, pero eventualmente se cansó de ellas, y empezó a tocar en bandas con amigos. Un año más tarde, una visita de verano a la casa de su primo hizo crecer el interés de Grohl por el punk rock, debido que su primo Tracy lo llevó a varios conciertos de punk en ese verano.

Durante los siguientes años, Grohl tocó en varias bandas locales, incluyendo una banda de hardcore punk llamada Mission Impossible y una de hardcore/post-punk llamada Dain Bramage. En los años que se desarrolló como baterista, Grohl citó a John Bonham como su más grande influencia, y eventualmente se tatuó el logo de tres círculos (que aparece en Led Zeppelin IV) de Bonham en su muñeca.

Scream

En los años 80, Grohl era un adolescente y perteneció a la agrupación Scream. Comenzó a grabar su propio material en los estudios de un amigo, Barrett Jones. Algunos temas estaban en el último disco de Scream, Fumble.

Nirvana

En 1990, después de la gira de Scream, Grohl formó parte de Nirvana. Grabó con el grupo Nevermind , In Utero y MTV Unplugged in New York. En 1994, Grohl y Jones grabaron el que sería el álbum debut de los Foo Fighters en tan solo una semana.

Late!

Durante el tiempo en el que fue miembro de Nirvana, Dave Grohl escribió varias canciones por su cuenta que no le parecieron del todo acorde al sonido de esa banda. Por esta razón no introdujo la totalidad de ellas a sus compañeros, y decidió grabar un demo por su cuenta bajo el pseudónimo Late!, nombrando el álbum como Pocketwatch. La edición de este demo se hizo en apenas un ciento de cassettes, que Grohl repartió únicamente entre sus amistades y sin pretensión alguna de editarlo comercialmente. De aquí se desprende el tema Color Pictures Of A Marigold que luego fue incluido una reedición junto a Kurt Cobain en el Heart-Shaped Box Single.

Foo Fighters

Grohl grabó el disco titulado "Foo Fighters" en solo una semana, y todos los temas fueron compuestos por él y grabados por él. Luego él necesitaba formar una banda, para hacer una gira del álbum. Para eso recluto a: Pat Smear (guitarra), con quien había tocado en Nirvana, Nate Mendel (bajo), y William Goldsmith (batería). Grohl grabó "The Colour and the Shape", "There's Nothing Left to Lose", y "One by One", discos que prosiguieron a "Foo Fighters". Durante la grabación de estos discos, la banda surgió modificaciones en la formación, se fueron Pat Smear y William Goldsmith, que fueron reemplazados por Chris Shifflet en guitarra y Taylor Hawkins en batería. En los dos años y medio que le separan de One By One, los Foo Fighters no han perdido el tiempo. Grohl encabezó Probot, un proyecto de heavy metal junto a figuras como Lemmy (Motörhead) o King Diamond, además de tocar la batería en los últimos discos de Garbage y Nine Inch Nails, y en el disco de los Queens of the Stone Age Songs For The Deaf. El futuro de Foo Fighters es impredecible. En presentaciones para la prensa de In Your Honor, Grohl dijo que este podría ser el último escalón en la carrera de la banda. Aunque en otras declaraciones afirmó que Foo Fighters podría seguir por años. Habría ideas para lanzar un box-set con b-sides y covers grabados a lo largo de los diez años que la banda lleva de carrera, así como el deseo de RCA/BMG de lanzar un Greatest Hits. En cuanto a sus presentaciones en vivo, este año tocarán, finalmente, el lado acústico de In Your Honor.

Dave Grohl tuvo una niña el pasado 22 de abril del 2006.

Krist Novoselic

2007-07-16T15:58:00.000-07:00

Chirs Anthony Novoselic nació el 16 de mayo de 1965 en Compton, California. Sus padres Chris y María Novoselic son inmigrantes Croatas, el Sr. Novoselic llegó a los Estados Unidos en 1963 y un año después llegó quien sería su esposa. Consiguieron una casa en Gardena, California y el Sr. Novoselic obtuvo trabajo como conductor de un camión de agua.

En 1967, cuando Chris tenía 2 años nació su hermano Robert Novoselic, para este entonces la familia se mudaba constantemente domicilio hasta que por fin, llegaron a una modesta casa. En 1973, nace la hermana de Chris y Robert, Diana Novoselic, después se volvieron a cambiar de casa.

"Robert y yo éramos una especie de grandes chicos y nos gustaba meternos en problemas" comenta Chris a cerca de su infancia. "Ponchando llantas y cosas como esas". Mi papá nos tenía que reprender y a veces nos pegaba porque solo él sabía cómo hacerlo, nosotros le teníamos miedo pero esto no quiere decir que él era un abusador, no creo que él haya abusado de nosotros. No nos daba cachetadas por todo, creo que era la ley de acción y reacción. Aventábamos piedras a las casas, a los carros. En aquel tiempo el vandalismo era muy cool, nosotros realmente nos dedicábamos a él. Estrellábamos huevos...

En 1974 se mudaron a Aberdeen, Chris tenía 14 años y comenta que para aquel entonces su hermano y él ya se habían enderezado un poco. El costo de las propiedades en el sur de California eran muy altos y por eso la familia pudo conseguir una mejor casa por poco dinero en Aberdeen. También en esa área vivían muchas familias croatas. El Sr. Novoselic consiguió trabajo como maquinista en uno de tantos molinos que había en el pueblo.

A esa edad, a Chris le gustaba escuchar bandas como Led Zeppelin, Devo, Black Sabbath y Aerosmith mientras los demás escuchaban Top Forty, tal vez porque esto es lo que tocaba la estación local.

Para junio de 1980, los padres de Chris se preocuparon por la depresión que le afectaba así que lo mandaron con sus parientes en Croacia. A él le encantó vivir ahí (Croacia) e hizo muchos amigos, las escuelas eran excelentes. Había escuchado de algo llamado "Punk Rock" y descubrió a los Sex Pistols, Los Ramones y también algunas bandas yugoslavas de punk. "Esto no me impresionó mucho, solo era música que no significaba nada, era solo música que me gustaba". Después de un año de vivir en Croacia sus padres lo llamaron de regreso.

"Me sentía en un mundo extraño, como en el limbo", decía Chris, y empezó a beber y fumar mariguana en exceso. "Siempre he sido un gran bebedor" comenta, cuando tomo, no me detengo. Me gusta beber porque estás en un extraño mundo de caricatura donde todo se vale. Tu visión se hace borrosa y nada y todo te hace sensible. Es loco, es una realidad diferente y un mundo diferente en el cual estás conciente".

Chris se convirtió en alguien muy conocido en las fiestas, "solo tenías que ir a fiestas y la gente te decía cosas como "Hey Novie!".

Matt Lukin comenta: "siempre lo conocieron como el gran chico porque siempre estaba haciendo cosas raras. Ellos pensaban que era alguien extraño y raro. Cuando iba a las fiestas se ponía a brincar de un lado a otro".

Había muchas personas que se juntaban con él para salir pero se sentía muy presionado al llamarlos "amigos". "Me juntaba con ellos porque no tenía otra cosa que hacer" dice Chris. Esto era un poco raro e incomfortable". Finalmente consiguió trabajo en el taco bell local, trabajaba todas las noches y no socializaba con nadie, solo ahorraba dinero. También durante este trabajo conoció a un joven del que se hizo amigo, su nombre era Buzz Osborne. En su último año de la preparatoria, se había comprado un carro, unas bocinas y una guitarra. Tomó lecciones con su hermano Robert y le dijo a su maestro, Warren Manson (el mismo que enseñó a Kurt) que le gustaba mucho el Blues. Unos meses después, dejó las prácticas. Se tiraba en la cama y pacientemente trabajaba en grabaciones de B.B. King con su hermano.

Poco tiempo después, el hermano de Chris, Robert, trajo a su amigo Kurt Cobain a la casa de los Novoselic. Cuando Kurt preguntó acerca del estrepitoso ruido emanado del estéreo de arriba, Robert le contestó, "Oh ese es mi hermano Chris que está escuchando Punk Rock". Kurt pensó que era muy cool.

Chris se graduó de la preparatoria en 1983, ese mismo año por fin Chris y Kurt empiezan a tocar en una banda juntos, al poco tiempo sus padres se divorciaron. Este fue un mal tiempo para él porque además se había hecho una cirugía en la cara, el doctor cortó una pequeña sección de quijada y movió algunos dientes hacia adelante para corregir una anomalía (me veía como "Jay Leno" decía).

La quijada de Chris quedó rara por unas 6 semanas. Cuando iba a fiestas, tenía que cargar un par de raros cutters con él en caso de que tuviera que cortar algo para que no se le atorara en la garganta. "Cuando todo esto terminó mandó todo al diablo", dice Lukin, y regresó a hacer sus loqueras. Pues como no, si toda su comida eran como malteadas, no podía comer comida sólida.

"Después de un tiempo, las curaciones terminaron y tenía una nueva cara" dijo Chris.

En la escuela también conoció a Shelli quien lo recuerda como un "payaso de la clase que siempre estaba bromeando". Poco tiempo después los dos eran amigos. Shelli dejó su último año de preparatoria y tomó un empleo en el Mc Donald´s y consiguió su propio departamento en Market Street, enfrente de la estación de bomberos. En su camino al trabajo, pasaba por "The Foster Painting", lugar donde trabajaba Chris y se ponían a platicar. Ella consiguió su número y lo empezó a llamar, tenían mucho en común, y para marzo de 1985 se iban al departamento de e Shelli, a escuchar punk rock y también iban a shows, después de un tiempo, empezaron a salir.

La relación entre Chris y Shelli, siempre fue muy buena, en marzo de 1986, los dos se mudaron a Arizona en busca de trabajo, después en invierno de ese año regresaron a Hoquiam, Wa, y también por ese tiempo se volvieron vegetarianos.

Entre 1985 y 86, Chris también tocó en algunas bandas al lado de Buzz Osborne. Para 1986 y 87, la relación entre Chris y Kurt aumentó, así como las relaciones con Buzz, iba a los ensayos de Los Melvins y los acompañaba a una que otra presentación. Así nació el grupo seminal de lo que seria más tarde Nirvana: Ed, Ted y Fred. O lo que es lo mismo, Cobain a la batería, Novoselic a la guitarra y un bajista llamado Steve, que desapareció al poco tiempo, dejando a Kurt y Chris libres para tocar con cualquiera de Los Melvins que estuviera disponible, o para tocar versiones de la creedence en los clubes locales. En el verano del 87, Chris y Shelli vivían con Kurt y Tracy Marander en un pequeño departamento.

Mientras tanto las relaciones con Shelli no iban también y en 1988 rompió con ella, y también dejó su trabajo como pintor. Ese año también fue importante ya que junto con Kurt Cobain y Dale Crover, después de muchos nombres, por fin forman Nirvana. Este rompimiento no duró mucho ya que en 1989 Chris y shelli se reconciliaron y tan grande fue esa reconciliación que el 30 de diciembre de 1989 se casaron en Tacoma.

En junio de 1991, cuando Nirvana salió de gira, Shelli acompañaba a Chris, vendía playeras en los conciertos mientras él tocaba. Más tarde ese mismo año Chris y Shelli compraron una casa por $ 265,000. En diciembre de ese año, encabeza una manifestación que llegó hasta el edificio de gobierno de Olympia, se oponía a la ley # 2554 la cual decía que se tenía que meter a la cárcel a todos los dueños de tiendas de discos que vendían música juzgada como "erótica".

Cuando Kurt invitó a Chris a su boda en 1992, este rechazó la invitación ya que las relaciones entre la pareja y Courtney no eran muy buenas. En 1993, organizó un concierto en Croacia a beneficio de un grupo de mujeres llamado Tresnjevka. Chris tocó su último concierto como un Nirvana el 1 de marzo de 1994. En Abril, al enterarse de la muerte de su gran amigo Kurt, se sintió muy mal y decidió, en septiembre de ese año, dejar de tomar y las drogas, quería estar limpio de todo vicio.

Después de que Nirvana desapareció, Chris se dedicó a hacer varias cosas, primero se retiró por un tiempo de los medios hasta que en 1995 empieza con Jampa, luego después de un año de ausencia, Chris regresa al mundo de la música con su nuevo grupo llamado Sweet 75, el cual tocó su primer concierto en 17 de marzo de 1995, en Seattle. En 1997, sacó su primer disco con su banda Sweet 75.

En 1998 crea el web localizado en www.murkyslough.com, informa que muy pronto habrá un web llamado www.Nirvana.com, Chris por el momento sigue con su banda y esperemos nuevas noticias de él.

videito

2007-07-15T15:30:00.000-07:00

bueno, les dejo un videito, es de "come as you are" un tema bastante conocido y que personalmente me gusta.

saludos

en español....

2007-07-09T16:45:00.000-07:00

Para que los lectores hispanoparlantes no se queden afuera les dejo la traduccion de la carta:

Para Boddah:

Hablando como el estúpido con gran experiencia que preferiría ser un charlatán infantil castrado. Esta nota debería ser muy fácil de entender. Todo lo que me enseñaron en los cursos de punk rock que he ido siguiendo a lo largo de los años, desde mi primer contacto con la, digamos, ética de la independencia y la vinculación con mi entorno ha resultado cierto.

Ya hace demasiado tiempo que no me emociono ni escuchando ni creando música, ni tampoco escribiéndola, ni siquiera haciendo rock'n'roll. Me siento increíblemente culpable. Por ejemplo, cuando se apagan las luces antes del concierto y se oyen los gritos del público, a mí no me afectan tal como afectaban a Freddy Mercury, a quien parecía encantarle que el público le amase y adorase. Lo cual admiro y envidio muchísimo. De hecho, no los puedo engañar, a ninguno de ustedes. Simplemente no sería justo ni para mí. Simular que melo estoy pasando el 100% bien sería el peor crimen que me pudiese imaginar.

A veces tengo la sensación de que tendría que fichar antes de subir al escenario. Lo he intentado todo para que eso no ocurriese. (Y sigo intentándolo, créeme señor, pero no es suficiente). Soy consciente de que yo, nosotros, hemos influído y gustado a mucha gente. Debo ser uno de aquellos narcisistas que sólo aprecian las cosas cuando ya han ocurrido. Soy demasiado sencillo. Necesito estar un poco anestesiado para recuperar el entusiasmo que tenía cuando era un niño.

En nuestras tres últimas giras he apreciado mucho más a todo la gente que he conocido personalmente que son fans nuestros, pero a pesar de ello no puedo superar la frustación, la culpa y la hipersensibilidad hacia la gente. Sólo hay bien en mí, y pienso que simplemente amo demasiado a la gente. Tanto, que eso me hace sentir jodidamente triste. El típico piscis triste, sensible, insatisfecho, ¡dios mío! ¿por qué no puedo disfrutar? ¡no lo sé!. Tengo una mujer divina, llena de ambición y comprensión, y una hija que me recuerda mucho como había sido yo. Llena de amor y alegría , confía en todo el mundo porque para ella todo el mundo es bueno y cree que no le harán daño. Eso me asusta tanto que casi me inmoviliza. No puedo soportar la idea de que FRANCES se convierta en una rockera siniestra, miserable y autodestructiva como en lo que me he convertido yo. Lo tengo todo, todo. Y lo aprecio, pero desde los siete años odio a la gente en general... Sólo porque parece que a la gente le resulta fácil relacionarse y ser comprensiva. ¡Comprensiva! sólo porque amo y me compadezco demasiado de la gente. Gracias a todos desde lo más profundo de mi estómago nauseabundo por vuestras cartas y vuestro interés durante los últimos años. Soy una criatura voluble y lunática. Se me ha acabado la pasión, y recuerden que es mejor quemarse que apagarse lentamente.

Paz, amor y comprensión Kurt Cobain

Frances y Courtney, estaré en su altar. Por favor, Courtney, sigue adelante por Frances, por su vida que será mucho más feliz sin mí. ¡Los quiero, Los quiero!

NOTA DE SUICIDIO DE KURT COBAIN/ KURT COBAIN SUICIDE NOTE

2007-07-08T19:05:00.000-07:00

Les dejo la nota de suicidio del señor Kurt Kobain
Here is Mr kurt Cobain suicide note

y como seguramente nadie entendio demasiado les dejo una aclaracion
and becouse is highly probably that many of you didn't unterstand to much i leave yo a more clear one

To Boddah:

Speaking from the tongue of an experienced simpletion who obviously would ratherbe an emasculated, infantile complain-ee. This note should be pretty easy to understand. All the warnings from the punk rock 101 courses over the years, since my first introduction to the, shall we say, ethics involved with independence and the embracement of your community has proven to be very true.

I haven't felt the excitement of listening to as well as creating music along with reading and writing for too many years now. I feel guilty beyond words about about these things. For example when we're backstage and the lights go out and the manic roar of the crowd begins, it doesn't affect me the way inwhich it did for Freddy Mercury, who seemed to love, relish in the love and adoration from the crowd, which is something i totally admire and envy. The fact is, i can't fool you, any one of you. It simply isn't fair to you or me. The worst crime i can think of would beto rip people off by faking it and pretending as if i'm having 100% fun.

Sometimes I feel as if I should have a punch-in time clock before I walk out on stage . I've tried everything within my power to appreciate it (and i do, god believe me i do, but it's not enough). I appreciate the fact that I and we have affected and entertained a lot of people. I must be one of those narcissists who only appreciate things when they're gone. I'm too sensitive. I need to be slightly numb in order to regain the enthusiasm I once hadas a child.

On our last 3 tours, i've had a much better appreciation for all the people i've known personally and as fans of our music, but I still can't get over the frustration, the guilt and empathy I have for everyone. There's good in all of us and i think i simply love people too much, so much that it makes me feel too fucking sad. The sad little sensitive, unappreciative, pisces, jesus man. Why don't you just enjoy it? i don't know! i have a goddess of a wife who sweats ambition and empathy and a daughter whore minds me too much of what I used to be, full of love and joy, kissing every person she meets because everyone is good and will do her no harm. And that terrifies me to the point where i can barely function. I can't stand the thought of FRANCES becoming the miserable, self-destructive, death rocker that i've become. I have it good, very good, and i'm grateful, but since the age of seven, i've become hateful towards all humans in general. Only because it seems so easy for people to get along and have empathy. Only because i love and feel sorry for people too much i guess. Thank you all from the pit of my burning, nauseous stomach for your letters and concern during the past years. I'm too much of anerratic, moody, baby! i don't have the passion anymore, and so remember, it's better to burn out then to fade away.

Peace, love, empathy Kurt Cobain

Frances and Courtney, i'll be at your altar. Please keep going Courtney, for Frances. For her life, which will be so much happier without me. I love you, I love you!

saludos
greetings

Kurt Cobain Biography

2007-07-05T12:57:00.001-07:00

Kurt Donald Cobain was the leader of Nirvana, the multi-platinum grunge band that redefined the sound of the nineties.

Cobain was born on the 20th of February 1967 in Hoquaim, a small town 140 kilometres south-west of Seattle. His mother was a cocktail waitress and his father was an auto mechanic. Cobain soon moved to nearby Aberdeen, a depressed and dying logging town.

Cobain was for most his childhood a sickly bronchitic child. Matters were made worse when Cobain's parent's divorced when he was seven and by his own account Cobain said he never felt loved or secure again. He became increasingly difficult, anti-social and withdrawn after his parent's divorce. Cobain also said that his parent's traumatic split fueled a lot of the anguish in Nirvana's music.
Kurt and Baby
After his parent's divorce Cobain found himself shuttled back and forth between various relatives and at one stage homeless living under a bridge.

When Cobain was eleven he heard and was captivated by the Britain's Sex Pistols and after their self-destruction Cobain and friend Krist Novoselic continued to listen to the wave of British bands including Joy Division the nihilistic post-punk band that some say Nirvana are directly descended from in form of mood, melody and lyrical quality.

Cobain's artistry and iconoclastic attitude didn't win many friends in high school and sometimes earned him beatings from "jocks" Cobain got even by spray painting "QUEER" on their pick-up trucks. By 1985 Aberdeen was dead and Cobain's next stop was Olympia. Cobain formed and reformed a series of bands before Nirvana came to be in 1986. Nirvana was an uneasy alliance between Cobain, bassist Krist Novoselic and eventually drummer and multi-instrumentalist Dave Grohl

By 1988 Nirvana were doing shows and had demo tapes going around. In 1989 Nirvana recorded their rough-edged first album Bleach Bleach - CD-Albumfor local Seattle independent label Sub-Pop

In Britain Nirvana received a lot of recognition and in 1991 their contract was bought out by Geffen, they signed to the mega-label, the first non-mainstream band to do so. Two and a half years after Nirvana's first C.D. Bleach was released they released Nevermind, Nevermind - Japan - Vinyl-Album Nevermind - CD-Album Nevermind - Vinyl-Albuma series of different, crunching, screaming songs that along with it's first single Smells Like Teen Spirit Smells Like Teen Spirit - CD-Singlewould propel Nirvana to mainstream stardom.

Smells Like Teen Spirit became Nirvana's most highly acclaimed and instantly recognizable song. Not many people can decipher it's exact lyrics but Cobain used a seductive hookline to hook the listener. Nevermind went on to sell ten million copies and make a reported $550 million (US) leaving Nirvana overnight millionaires. Cobain was shocked at the reception of his highly personal and passionate music repeatedly telling reporters that none of the band ever, ever expected anything like this. It quickly became obvious that the obsessively sickly and sensitive 24yr old was not going to cope well with the rock'n roll lifestyle. "If there was a rock star 101 course, I'd really have like to take it," Cobain once observed. Cobain fell into heroin in the early 90's, he said he used it as a shield against the rigorous demands of touring and to stop the pain of stomach ulcers or an irritated bowel. Through the touring and pressure Cobain continued to write his very personal acutely focused lyrics.

Cobain was distressed to find out that what he wrote and how it was interpreted could quite often be miles apart. He was appalled when he found out that Polly a heavily ironic anti-rape song had been used as background music in a real gang-rape. He later appealed to fans on the Incesticide liner Incesticide - Japan - Vinyl-Album Incesticide - CD-Albumnotes "If any of you don't like gays or women or blacks, please leave us the fuck alone." It was to no avail, Cobain found that as an overnight millionaire musician control was something he had very little of. Cobain also worried that his band had sold-out, that it was attracting the wrong kind of fans (i.e the type that used to beat him up.)

In February 1992 Cobain skipped off to Hawaii to marry the already pregnant Courtney Love. Later in the year Nirvana released Incesticide and in August Cobain had hospital treatment for heroin abuse. Shortly after Frances Bean Cobain was born. In early 1993 In Utero In Utero - Vinyl-Album In Utero - CD-Albumwas released into the top spot on the music charts. In Utero was widely acclaimed by the music press and it contains some of Cobain's most passionate work. In Utero was a lot more open than Nirvana's previous albums. Songs like All Apologies All Apologies - CD-Singleand Heart Shaped Box detailed aspects of Cobain's sometimes shaky marriage, other songs like Scentless Apprentice detailed the agonies and struggles of Cobain's experiences.

Nirvana embarked on a support tour and recorded and filmed an "unplugged" (acoustic) performance for MTV in November of 1993. Nirvana's choice to honour bands and people that had influenced them and Cobain's passionate and intense vocals especially on "Where Did You Sleep Last Night?"silenced many of their who had labeled Cobain talentless. Rumors circulated that the MTV Unplugged compilation would be Nirvana's last album and the band were splitting up.

Cobain was a gun fanatic and always had several in his possession or in various forms of confiscation. In the northern winter of 1993-94 Nirvana embarked on an extensive European tour. Twenty concerts into the tour Cobain developed throat problems and their schedule was interrupted while he recovered. While recovering Cobain flew to Rome to join his wife who was also preparing to tour with her own band.

On March the 4th Cobain was rushed to hospital in a coma after an unsuccessful suicide bid in which he washed down about fifty prescription painkillers with champagne. The suicide bid was officially called an accident and was not even made known to close friends and associates. Several days later he returned to Seattle. Cobain's wife, friends and managers convinced Cobain, who was still in deep distress to enter a detox program in L.A. According to a missing person's report filed by his mother Cobain fled after only a few days of the program.

Cobain was cited in the Seattle area with a shotgun. Days later on the 5th of April he barricaded himself into the granny flat behind his mansion, put a shotgun in his mouth and pulled the trigger. On Thursday April the 7th ~ two days after a medical examiner says Cobain shot himself and the day before his body was found police say Courtney Love herself was taken to hospital in L.A. for a drug overdose. Released on bail, Love checked herself into a rehab center but left soon after a friend called her the next day with news of Cobain's death.

Cobain's body was found when an electrician visiting the house to install a security system went round the back of the house when no one answered the front door and peered through windows. He thought he saw a mannequin sprawled on the floor until he noticed a splotch of blood by Cobain's ear. When police broke down the door they found Cobain dead on the floor, a shotgun still pointed at his chin and on a nearby counter a suicide note written in red ink addressed to Love and the couples then 19 month old daughter Frances Bean.

The suicide note ended with the words "I love you, I love you." Two days after Kurt Cobain's body was found about 5,000 people gathered in Seattle for a candlelight vigil. the distraught crowd filled the air with profane chants, burnt their flannel shirts and fought with police. They also listened to a tape made by Cobain's wife in which she read from his suicide note. Several distressed teenagers in the U.S. and Australia killed themselves. The mainstream media was lambasted for it's lack of respect and understanding of youth culture.

Miembros

2007-07-03T15:11:00.000-07:00

* Kurt Cobain - voz, guitarra
* Krist Novoselic - Bajo
* Dave Grohl - batería (1990-1994)
* Chad Channing - batería (1988-1990)
* Dale Crover - batería (1985, 1987-1988, 1990)
* Dave Foster - batería (1988)
* Aaron Burckhard - batería (1987-1988)
* Dan Peters - batería (1990)

Miembros de gira

* Jason Everman - 2ª guitarra (1989)
* Pat Smear - 2ª guitarra (1993-1994)

Después de la muerte de Cobain

2007-07-02T10:58:00.000-07:00

Lanzamientos

Varios álbumes han sido lanzados desde la muerte de Cobain. El primero salió en noviembre de 1994 con la presentación grabada un año atrás en MTV Unplugged, bajo el título de MTV Unplugged in New York. Este álbum contuvo las apariciones de los miembros de Meat Puppets, así como las versiones de canciones de Leadbelly, The Vaselines y David Bowie.

Dos semanas después del lanzamiento de Unplugged in New York, una compilación de vídeo llamada Live! Tonight! Sold Out!!, fue lanzado. Cobain había compilado una parte significativa del video, que documentaba buena parte del tour promocional de Nevermind. Material "memorable" del vídeo incluía un infame incidente con un guardia de seguridad en un club de Texas en Octubre de 1991, así como la versión de "Aneurysm" hecha en vestidos en el festival Hollywood Rock en Río de Janeiro, Brasil en Enero de 1993.

La intención original era la de lanzar Unplugged in New York como disco doble, junto a un disco de material eléctrico en vivo para balancear el contenido acústico. Sin embargo, los dos miembros restantes de la banda, estaban emocionalmente afectados para compilar el álbum eléctrico, al pasar tan poco tiempo desde la muerte de Cobain. El álbum, una compilación de grabaciones de conciertos de Nirvana, finalmente fue lanzado en Octubre de 1996, titulado From the Muddy Banks of the Wishkah.

En agosto de 1997, el sitio web de noticias musicales Wall of Sound reportó que Grohl y Novoselic estaban organizando un box set de rarezas de Nirvana. Cuatro años más tarde, el sello discográfico de la banda anunció que el box set estaba completo y sería lanzado en septiembre para conmemorar el décimo aniversario del lanzamiento de Nevermind. Sin embargo, poco antes de la fecha de lanzamiento, Courtney Love detuvo el lanzamiento y demandó a Grohl y a Novoselic, alegando que "estaban secuestrando el legado de Nirvana para sus intereses personales". Lo que siguió fue una larga batalla legal sobre quién era el dueño de la música de Nirvana que duró más de un año.

Buena parte de la batalla legal se centró en una canción no lanzada, "You Know You're Right", la grabación final de estudio de la banda. Grohl y Novoselic querían incluirla en el box set, intentando lanzar todas las rarezas de una vez. Love, sin embargo, alegó que la canción era más importante que una "rareza", y que debía ser incluida en una compilación de "grandes éxitos". Después de más de un año de enfrentamientos públicos y legales, las partes firmaron un acuerdo, acordando el lanzamiento inmediato del álbum de "grandes éxitos", incluyendo esta canción, bajo el título de Nirvana. A cambio, Love estuvo de acuerdo en donar demos en casete grabados por Cobain para el uso en el box set.

Los seguidores de la banda tuvieron el primer contacto con "You Know You're Right" a comienzos de 1995 cuando Love tocó una versión de la canción con su banda Hole en MTV Unplugged bajo el título de "You've Got No Right". Una versión temprana de la canción tocada por Nirvana en su concierto el 23 de octubre de 1993 en el Aragon Ballroom de Chicago salió a la luz pública en los círculos de compra y venta de casetes de Nirvana unos pocos meses después. En los años posteriores, los rumores de la existencia de una versión de estudio de la canción empezaron a circular y creció hasta alcanzar proporciones casi "míticas". Para los seguidores, la primera confirmación real de la existencia de esta versión apareció noviembre de 2001 cuando Access Hollywood difundió un clip de diez segundos como parte de una entrevista con Love. En mayo de 2002, varios clips de mayor duración aparecieron en la Internet por medio de una fuente desconocida, que anunció que planearía lanzar la canción completa. Sin embargo, la fuente declinó sus intenciones, temiendo acciones legales. Cuando la batalla legal estaba a punto de ser finalizada en septiembre de 2002, la canción completa apareció por este medio, días antes del anuncio del lanzamiento de Nirvana. Inclusive si la versión de estudio era un "borrador" con letras sin terminar, a los seguidores e inclusive a los no seguidores de la banda les gustó la canción, convirtiéndola en una de las canciones más rotadas en la radio alternativa entre 2002 y 2003.

Nirvana fue lanzado el 29 de octubre de 2002. Junto a "You Know You're Right", el álbum contuvo éxitos de sus tres álbumes de estudio, así como mezclas y grabaciones de canciones familiares. Después de su lanzamiento, varios seguidores de largo tiempo se quejaron sobre la selección de canciones, justificando que la versión alterna de "Been a Son" (del EP Blew) no era la versión preferida de la banda, y que faltaban canciones como "Sappy" (originalmente lanzada en la compilación No Alternative como "Verse Chorus Verse"), que había recibido significante rotación en los Estados Unidos después de la muerte de Cobain. Los seguidores fuera de los Estados Unidos cuestionaron la inclusión de la versión Unplugged de "All Apologies" (en vez de lanzar la versión del sencillo, incluida en In Utero) y la versión de Bleach de "About a Girl" (cuando la versión Unplugged fue un sencillo muy popular en 1994). También, con un tiempo de duración de menos de cincuenta minutos, había ciertamente suficiente espacio para incluir otros éxitos, como "Love Buzz", "Drain You", "Aneurysm", y "Where Did You Sleep Last Night?" (que sería posteriormente incluida en algunos lanzamientos no estadounidenses del álbum).

En noviembre de 2004 finalmente se lanzó el box set, titulado With the Lights Out. Éste contenía una vasta compilación de demos de Cobain, grabaciones de ensayos y rarezas, y canciones en vivo grabadas durante toda la historia de la banda. Seguidores de largo tiempo de la banda tuvieron la oportunidad de escuchar las grabaciones de demos jamás terminados como "Old Age" y "Verse Chorus Verse" (una canción diferente a "Sappy"), grabados en las sesiones de Nevermind. Otra canción notable en el box set fue un demo acústico de una canción llamada "Do Re Mi", grabada por Cobain en su habitación. La canción demostró que inclusive en sus dramáticos días finales, Kurt todavía tenía ese "don" para la melodía que había demostrado años atrás en canciones como "About a Girl".

Una compilación de "lo mejor del box set" titulada Sliver: The Best of the Box fue lanzada en otoño de 2005. El CD compiló diecinueve canciones del box set junto a tres canciones no lanzadas, incluyendo una versión de la canción "Spank Thru" del demo de 1985 Fecal Matter. De acuerdo a Rolling Stone, Frances Bean Cobain coloboró en la selección del título y de la portada. El año siguiente vio el lanzamiento de la edición en DVD de Live! Tonight! Sold Out!! con mejoras en la calidad de imagen y material inédito nunca antes visto.

En una entrevista en el 2002 con Jim DeRogatis, Courtney Love describió los innumerables casetes de ensayos, demos y grabaciones en la habitación que habían quedado después de la muerte de Cobain. Por ejemplo, una versión de cuatro pistas de "Do Re Mi" fue aparentemente grabada con Kurt en batería, Pat Smear en la guitarra, y Eric Erlandson en el bajo, una semana antes de su muerte. Se espera que cualquier canción de este archivo que no haya sido lanzada vea la luz algún día no muy lejano.

Proyectos post-Nirvana

En los años posteriores a la disolución de Nirvana, sus dos miembros sobrevivientes han estado activos. No poco después de la muerte de Cobain, Grohl grabó una serie de demos que finalmente se convirtieron en el álbum debut de los Foo Fighters. Hasta 2006, los Foo Fighters han lanzado cinco álbumes con gran éxito comercial. El lanzamiento más reciente, In Your Honor, contiene una canción llamada "Friend of a Friend", que Grohl escribió en 1990 sobre sus primeros encuentros con Cobain y Novoselic.

Además, Grohl ha participado como baterista para bandas y artistas como Tom Petty and the Heartbreakers, Mike Watt, Queens of the Stone Age, Tenacious D, Nine Inch Nails, Garbage, Cat Power y Killing Joke, además de participar como guitarrista en el álbum Heathen de David Bowie. También grabó un álbum de canciones de metal con varios de sus cantantes de metal de comienzos de los 80s favoritos bajo el nombre Probot.

Después del fin de Nirvana, Novoselic formó Sweet 75. Más recientemente, él fundó Eyes Adrift con Curt Kirkwood (ex-Meat Puppets) y Bud Gaugh (ex-Sublime). También tocó en la banda No WTO Combo con Kim Thayil de Soundgarden y Jello Biafra de Dead Kennedys, que se presentó coincidencialmente en una de las fechas en que se realizaba la reunión de la OMC de 1999. Otras participaciones de Novoselic incluyen tocar en una canción junto a Johnny Cash para el álbum tributo a Willie Nelson de 1996 "Twisted Willie", así como tocar el piano en "Against the 70s" para el álbum de Mike Watt Ball-Hog or Tugboat? (en el que también participó Grohl, y varios músicos de grunge y rock alternativo como Eddie Vedder de Pearl Jam, Flea de Red Hot Chili Peppers y Thurston Moore de Sonic Youth).

Más significativamente, Novoselic se ha convertido en un activista político, fundando el comité de acción política JAMPAC para apoyar los derechos de músicos. En 2004, él lanzó un libro titulado Of Grunge and Government: Let's Fix This Broken Democracy (Del Grunge y el gobierno: Reparemos esta democracia rota), que cubría su pasado musical y su carrera política. Durante la campaña presidencial en Estados Unidos de 2004, Grohl y Novoselic aparecieron en escena para apoyar la campaña de John Kerry.

Aunque Nirvana llegó a una repentina conclusión después de su concierto final en Munich, los miembros restantes (incluyendo a Pat Smear) ofrecieron una despedida a los seguidores de la banda. Al final de la presentación de Foo Fighters en el festival Bumbershoot de 1997 en Seattle, Grohl saltó hacia la batería, con Novoselic entrando con el bajo en mano. El trío (Grohl, Novoselic y Smear) entusiasmó al público con versiones de "Purple Rain" de Prince y "Communication Breakdown" de Led Zeppelin. La corta presentación sirvió como un agradecimiento a Seattle a todos los que apoyaron a Nirvana durante su corta pero inolvidable carrera.

Licenciamiento

A finales de marzo de 2006, la revista Rolling Stone publicó un artículo en el cual afirmaba que Courtney Love tenía un acuerdo con Larry Mestel, ex-presidente de Virgin Records y actual jefe de Primary Wave Music Publishing, para vender el 25 por ciento del catálogo de canciones de la banda (del cual ella poseía un 98 por ciento). Love declaró, ante los temores de varios seguidores de que la música de "una banda declaradamente anticorporativa" fuera "expuesta a la sobrecomercialización", que "se mantendría el espíritu de Nirvana". Previamente se especuló que la compañía Elevation Partners, de la cual forma parte Bono, el cantante de U2, compraría parte de los derechos

La muerte de Cobain

2007-07-01T14:49:00.001-07:00

A comienzos de 1994, la banda se embarcó en un tour Europeo. Aunque el tour comenzó bien, las presentaciones gradualmente declinaron, con la imagen de un Cobain aburrido y distraído durante los conciertos, particularmente durante el paso por Italia. Después de la presentación en Terminal Eins en Munich, Alemania, el 1 de marzo, Cobain fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severa. La presentación de la noche siguiente fue cancelada. En la mañana del 4 de marzo, en Roma, Cobain fue encontrado inconsciente por Courtney Love y fue llevado a un hospital. Un médico declaró en una rueda de prensa que el cantante reaccionó a una combinación de Rohypnol y alcohol. El resto del tour fue cancelado, incluyendo una visita planeada (después de 2 años sin ir) al Reino Unido.

En las semanas posteriores, la adicción a la heroína de Cobain reapareció. Una intervención fue organizada y Cobain fue convencido de entrar en rehabilitación. Después de menos de una semana en rehabilitación, Cobain escaló uno de los muros del centro de rehabilitación y voló hacia Seattle. Una semana más tarde, el viernes 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle.

Trabajo experimental: In Utero

2007-06-30T12:07:00.000-07:00

Para In Utero, la banda escogió trabajar con el productor Steve Albini, conocido por su trabajo en Surfer Rosa de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en 2 semanas, lejos de los meses de la grabación y mezcla de Nevermind. La grabación se hizo en los estudios "Pachyderm", en Minnesota.

Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada de parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos "artificial", como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras, o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente "Radio Friendly Unit Shifter", mostraba prolongados periodos de ruido de feedback o "retroalimentación". (En la industria musical, un álbum "amigable a la radio" ("radio friendly") es descrito como un álbum "ideal": capaz de alta rotación radial y de vender varias copias, o "unidades"). Sin embargo, Cobain insistió que el sonido de Albini era simplemente el que Nirvana quería, una grabación "natural", sin muchas capas de "trucos" de estudio.

Después de su lanzamiento, los seguidores pensaron que la banda quería esta "distorsionada obra maestra". Sin embargo, en realidad, la banda no estaba contenta con algunos aspectos de las mezclas de Albini. Específicamente, pensaron que los niveles del bajo eran muy graves, y Cobain sintió que "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" no sonaban "perfectas". El productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, fue llamado para ayudar a mezclar estas dos canciones, con Cobain adicionando instrumentación y vocales. Litt también mezcló "Pennyroyal Tea", pero la versión de Albini fue usada en el álbum. (DGC planeó posteriormente lanzar la mezcla de Litt como un sencillo)

Con In Utero, la banda también enfrentó la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estantes, alegando que títulos de canciones como "Rape Me" y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy "controvertidos" para cadenas "orientadas a la familia". Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión "limpia", que también cambiaba el nombre de "Rape Me" por "Waif Me". Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de "Pennyroyal Tea", la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (en especial en el centro de los Estados Unidos) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenes de almacenes como Kmart.

Aunque "Heart-Shaped Box" tuvo buena recepción por parte de las emisoras alternativas y mainstream, e In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de "Smells Like Teen Spirit", regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y "retador" lanzamiento. (Para la gira promocional de In Utero, la banda añadió a Pat Smear de la banda de punk rock The Germs como el segundo guitarrista.)

En noviembre de 1993, la banda decide detenerse en la gira y graba una aparición en MTV Unplugged. Las sesiones revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban "enterradas" bajo el "agresivo" sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por su selección de canciones originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets (que acompañó en las tres canciones de ellos que la banda versionó), y del cantante de folk estadounidense Leadbelly. Éste se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificada por la tragedia que se avecinaba.

Éxito comercial: Nevermind

2007-06-29T11:40:00.000-07:00

Siguiendo recomendaciones de la integrante de Sonic Youth Kim Gordon, David Geffen contrató a Nirvana para DGC Records en 1990 a un costo de 287,000 dólares (y 75,000 dólares a Sub Pop, más dos por ciento de las ganancias de los discos). La banda empezó a grabar su primer álbum con una gran compañía disquera. El resultado, Nevermind, es ahora considerado un clásico.

Para el álbum, la banda decidió continuar trabajando con Vig, pero en vez de seguir grabando en el estudio propiedad de Vig en Madison, Wisconsin, como en 1990, decidieron ir a los estudios "Sound City" en Los Ángeles. Durante dos meses, trabajaron en gran variedad de canciones. Algunas de ellas, incluyendo "In Bloom" y "Breed" llevaban ya tiempo en su repertorio, mientras que canciones como "On a Plain" y "Stay Away" no estaban todavía terminadas, y hubo que escribir sus letras en medio del proceso de grabación.

Después de que se completaran las sesiones de grabación, Vig y la banda aguardaron el resultado de las mezclas. No quedaron sin embargo satisfechos con los primeros resultados, por lo que decidieron buscar a alguien para que mejorara las mezclas. Pidieron a Gary Gersh, de Geffen, que les diera una lista de posibles seleccionados. La lista contenía varios nombres familiares, como Scott Litt (conocido por trabajar con R.E.M.) y Ed Stasium (conocido por su trabajo con The Smithereens). Sin embargo, Cobain temía que trabajar con productores conocidos hiciese que el álbum sonara como la música de esas bandas. Decidió escoger al último nombre de la lista, junto al nombre 'Slayer': Andy Wallace. (Wallace co-produjo el álbum de Slayer Seasons in the Abyss).

Wallace llevó al álbum a una altura completamente diferente, añadiendo capas de reverberación y "trucos" de estudio para que no fuera tan "oscuro". Pocos meses después del lanzamiento del álbum, Cobain se quejó en la prensa, alegando que Wallace había hecho el sonido de Nevermind demasiado "ligero", olvidando que la banda había escogido a Wallace y que había participado en el proceso de grabación y mezcla. Aunque la banda estuviera decepcionada con el sonido del álbum, Wallace había hecho "desaparecer" con éxito sus raíces indie y creado un rock "amigable" a listas y radio que otros intentarían imitar durante la siguiente década.

Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500,000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. "Smells Like Teen Spirit" recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson, un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada a las listas de varios álbumes de grunge como "Ten" de Pearl Jam y "Badmotorfinger" de Soundgarden. Alegando cansancio (en buena parte por algunos problemas de voz que Cobain sufrió), y después de un corto tour junto a Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers por la costa este estadounidense, y de uno por Australia y Japón, la banda decidió no embarcarse en una gira en la primavera de 1992 por Estados Unidos para promocionar Nevermind (pese a hacer presentaciones promocionales en el popular programa Saturday Night Live y en MTV), optando por hacer varias presentaciones posteriormente ese mismo año.

En febrero del 92, al finalizar el tour por el Pacífico, Cobain se casó con Courtney Love en Hawaii. En agosto, Love dio a luz a una hija, Frances Bean. Días después del nacimiento, Nirvana tocó uno de sus conciertos más conocidos, como uno de los actos centrales del Festival de Reading en Inglaterra. Cobain entró al escenario en una silla de ruedas y con una peluca, parodiando los rumores sobre su estado mental, luego se paró y se unió a Novoselic y Grohl, tocando uno de los conciertos más variados de la banda, añadiendo a la lista canciones que aún no habían sido lanzadas y versiones de 'The Money Will Roll Right In' de Fang, 'D-7' de The Wipers, Novoselic cantó a manera de introducción de Smells Like Teen Spirit "More than a Feeling" de Boston (que se asemeja al riff de 'Teen Spirit') y también tocaron una versión estilo Jimi Hendrix de The Star-Spangled Banner. En medio del concierto, Cobain relató al público sobre el reciente nacimiento de su hija, y logró que la gente gritara "¡Te amamos, Courtney!" al unísono. Grohl confesó en el 2005 en el programa radial Loveline que la banda creía que el concierto sería un completo desastre, dado todo lo que había pasado en los meses anteriores y que no habían ensayado desde junio. Sin embargo, la presentación terminó siendo una de las más memorables de sus carreras.

No poco más de un par de semanas más tarde, Nirvana hizo otra presentación memorable en los MTV Video Music Awards de 1992. Cobain creyó que con el éxito, la cadena musical le permitiría tocar su nueva canción, "Rape Me". Los ejecutivos de MTV, que preferían el éxito "Smells Like Teen Spirit", estaban aterrorizados, pensando que era una canción en contra de ellos (debido a que "Rape" no sólo significa "violar" en inglés, también significa "esclavizar"), y dejaron que la banda tocara su sencillo "Lithium". Al comienzo de la presentación, Cobain tocó y cantó las primeras notas de "Rape Me", lo cual le dio un buen susto a MTV, que terminó cuando la banda comenzó a tocar "Lithium". Cuando entraban a la parte final de la canción, Novoselic estaba frustrado porque el amplificador de su bajo dejó de funcionar y para dar un "aire dramático" lo lanzó al aire. Para su infortunio, el bajo cayó en su frente y lo dejó dolorido. Cuando terminó la canción y mientras Cobain estaba haciendo la "clásica" destrucción de los intrumentos que se hacía al final de casi cada presentación, Grohl se acercó al micrófono y empezó a gritar "¡Hi, Axl!", refiriéndose al vocalista de Guns N' Roses Axl Rose, con el cual la banda y Courtney habían tenido un altercado previo a la presentación de la banda.

En diciembre de ese mismo año lanzan Incesticide, una colección de lados b y rarezas. Varias de las sesiones radiales de la banda en la BBC y material temprano no lanzado empezó a circular por medio de los círculos ilegales de venta de música, entonces el álbum sirvió para frenar a los involucrados en el negocio, que incluía a seguidores que grababan conciertos sin autorización. El álbum contuvo canciones favoritas de seguidores como "Sliver", "Dive", "Been a Son" y "Aneurysm", así como algunas versiones de canciones de The Vaselines, una banda que resultó popular como resultado de las versiones que hizo Nirvana.

Primeros Años - Primer Álbum: Bleach

2007-06-28T14:55:00.001-07:00

Kurt Cobain y Krist Novoselic se conocieron en 1985. Ambos eran seguidores de The Melvins y frecuentemente se les veía en el local de ensayos de la banda. Cobain incluso había tocado con ellos en algunas ocasiones el año anterior. Después de un par de intentos fallidos de formar grupos –primero como The Sellouts, una banda que versionaba canciones de Creedence Clearwater Revival (con Cobain en batería, Novoselic en guitarra y vocales y Steve Newman en bajo) y luego como Fecal Matter (con Matt Lukin en batería), el dúo reclutó al baterista Aaron Burckhard, creando así la primera encarnación de lo que se convertiría posteriormente en Nirvana. En los meses iniciales, Cobain y Novoselic trabajaron con varios bateristas, entre ellos Dale Crover de The Melvins, que tocaría en sus primeras demos. Al mismo tiempo, la banda pasó por varios nombres, incluyendo Skid Row, Pen Cap Chew y Ted Ed Fred, antes de llamarse Nirvana, en febrero de 1988. Un par de meses más tarde, finalmente encontraron a un baterista "permanente", Chad Channing, por medio de un aviso colocado en un periódico de Seattle que rezaba "banda de punk rock con influencias de Aerosmith, Led Zeppelin, Black Sabbath, Black Flag, Scratch Acid y Butthole Surfers busca baterista".

En 1988 firmaron un contrato con la disquera independiente Sub Pop, por medio de la cual fue lanzado su primer álbum, Bleach. Bleach estaba influenciado principalmente por The Melvins, Mudhoney, y el rock clásico de los años 70s de Black Sabbath y Led Zeppelin. Novoselic comentó en una entrevista en 2001 con la revista Rolling Stone que habían escuchado en medio de una gira álbumes de The Smithereens y de la banda de black metal Celtic Frost, y también dijo que la combinación pudo servir como influencia. Bleach se convirtió en un álbum favorito de las estaciones universitarias de radio de Estados Unidos, pero aún no ofrecía muchas pistas sobre en qué se iba a convertir la banda dos años más tarde.

Aunque no participó en el álbum, Jason Everman fue incluido en los créditos como segundo guitarrista, en agradecimiento por pagar las sesiones de grabación: una suma de 606.17 dólares. Después de la terminación del álbum, Everman permaneció brevemente en la banda como segundo guitarrista, pero salió al finalizar la primera gira por los Estados Unidos.

A comienzos de los 90, Nirvana empezó a trabajar con el productor Butch Vig para grabar el segundo álbum de estudio, titulado provisionalmente Sheep. Durante las sesiones, Kurt y Krist coincidieron en que Chad no era el baterista que necesitaban, y en un acuerdo mutuo éste dejó la banda después de finalizadas las sesiones. Después de estar unas semanas con Dale Crover, contrataron al baterista de Mudhoney Dan Peters, con quien grabarían la canción "Sliver". Posteriormente el mismo año, Buzz Osborne de The Melvins les presentó a Dave Grohl, quien buscaba un nuevo grupo debido a la ruptura de la banda de hardcore punk en la que militaba, Scream, procedente de Washington, DC.

NIRVANA

2007-06-26T13:02:00.000-07:00

Si, eso mismo, es el turno de Nirvana, terrible banda por donde se la mire
empezamos con poco pa que no se quejen :P

Nirvana fue un célebre grupo estadounidense de grunge, procedente de Aberdeen, Washington. Con el éxito del sencillo "Smells Like Teen Spirit", del álbum Nevermind, Nirvana escaló los listados de música en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era punk underground y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como "grunge". Otras bandas de la escena musical de Seattle como Alice in Chains, Pearl Jam y Soundgarden también obtuvieron popularidad y, como resultado, el rock alternativo se convirtió en un género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de 1990.

Como líder de la banda, Kurt Cobain se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como "el vocero de una generación", y a Nirvana como la "banda símbolo" de la "Generación X" . Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio In Utero. Aunque la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum, buena parte de su audiencia alabó el interior "oscuro" de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.

La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, "You Know You're Right", un demo nunca terminado que la banda había grabado poco más de dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. Desde su debut, la banda ha vendido más de 50 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos. Su música continúa siendo emitida por estaciones de radio de todo el mundo.

Deep Purple line-ups/formaciones de Deep Purple

2007-06-23T13:12:00.001-07:00

Mk I
(1968-1969)

* Rod Evans - lead vocals
* Ritchie Blackmore - guitar
* Jon Lord - keyboards
* Ian Paice - drums
* Nick Simper - bass

Mk II
(1969-1973)

* Ian Gillan - lead vocals
* Ritchie Blackmore - guitar
* Jon Lord - keyboards
* Ian Paice - drums
* Roger Glover - bass

Mk III
(1973-1975)

* David Coverdale - lead vocals
* Ritchie Blackmore - guitar
* Jon Lord - keyboards
* Ian Paice - drums
* Glenn Hughes - bass

Mk IV
(1975-1976)

* David Coverdale - lead vocals
* Tommy Bolin - guitar
* Jon Lord - keyboards
* Ian Paice - drums
* Glenn Hughes - bass

(1976-1984) Group disbanded
Mk IIa
(1984-1989)

* Ian Gillan - lead vocals
* Ritchie Blackmore - guitar
* Jon Lord - keyboards
* Ian Paice - drums
* Roger Glover - bass

Mk V
(1989-1992)

* Joe Lynn Turner - lead vocals
* Ritchie Blackmore - guitar
* Jon Lord - keyboards
* Ian Paice - drums
* Roger Glover - bass

Mk IIb
(1992-1993)

* Ian Gillan - lead vocals
* Ritchie Blackmore - guitar
* Jon Lord - keyboards
* Ian Paice - drums
* Roger Glover - bass

Mk VI
(1993-1994)

* Ian Gillan - lead vocals
* Joe Satriani - guitar
* Jon Lord - keyboards
* Ian Paice - drums
* Roger Glover - bass

Mk VII
(1994-2002)

* Ian Gillan - lead vocals
* Steve Morse - guitar
* Jon Lord - keyboards
* Ian Paice - drums
* Roger Glover - bass

Mk VIII
(2002-present)

* Ian Gillan - lead vocals
* Steve Morse - guitar
* Don Airey - keyboards
* Ian Paice - drums
* Roger Glover - bass

Discografia/discography

2007-06-23T11:47:00.000-07:00

Studio albums

* Mk I
o Shades of Deep Purple, September 1968 #24 US
o The Book of Taliesyn, December 1968 #54 US
o Deep Purple, November 1969 #162 US
* Mk II
o In Rock, September 1970 #4 UK, #143 US/ US: Platinum
o Fireball, July 1971 #1 UK, #32 US/ US: Platinum
o Machine Head, May 1972 #1 UK, #7 US/ US: 3x Platinum
o Who Do We Think We Are, January 1973 #4 UK, #15 US/ US: Gold
* Mk III
o Burn, February 1974 #3 UK, #9 US
o Stormbringer, December 1974 #6 UK, #20 US
* Mk IV
o Come Taste the Band, October 1975 #19 UK, #43 US
* Mk II, reunited
o Perfect Strangers, November 1984 #5 UK, #17 US/ US: Platinum
o The House of Blue Light, January 1987 #10 UK, #34 US
* Mk V
o Slaves & Masters, October 1990 # 45 UK, #87 US
* Mk II, again reunited
o The Battle Rages On, July 1993 #21 UK, #192 US
* Mk VII
o Purpendicular, February 1996 #58 UK
o Abandon, May 1998 #76 UK
* Mk VIII
o Bananas, August 2003
o Rapture of the Deep, October 2005 #81 UK (Special 2CD Edition, June 2006)

Live albums

* Mk I
o Live in Inglewood, 1968 (released 2002)
* Mk II
o Concerto for Group and Orchestra, 1969
o Kneel & Pray, 1969 (released 2004)
o Gemini Suite Live, 1970 (released 1998)
o Scandinavian Nights, 1970 (released 1988)
o Space Vol 1 & 2, 1970 (released 2004)
o Live Denmark 1972, 1972 (released 2004)
o Made in Japan 1972, #16 UK, #6 US/ US: 3x Platinum
o Deep Purple In Concert, 1970-1972 (released 1980) #30 UK
* Mk III
o Made in Europe, 1975, #12 UK, #148 US
o Live in London, 1974 (released 1982), #23 UK
o California Jamming, 1974 (released 1996 | 2003)
o Just Might Take Your Life , 1974 (released 2004)
o Perks And Tit, 1974 (released 2004)
o Mk III: The Final Concerts, 1975 (released 1996)
* Mk IV
o Last Concert in Japan, 1976
o King Biscuit Flower Hour Presents: Deep Purple in Concert(='On the Wings of a Russian Foxbat) , 1975 (released 1995)
o This Time Around: Live in Tokyo, 1975 (released 2001)
* Mk II, reunited
o Nobody's Perfect, 1987 (released 1988) #38 UK, #105 US
o In The Absence of Pink: Knebworth 85, 1985 (released 1991)
o Come Hell or High Water, 1993, (released 1994)
o Live in Europe 1993, 1993 (4-CD box set - released 2006)
* Mk VII
o Live at the Olympia '96, 1996 (released 1997)
o Total Abandon: Live in Australia, 1999
o In Concert with the London Symphony Orchestra, 1999
o Live At The Rotterdam Ahoy, 2000
o The Soundboard Series, 2001
* Mk VIII
o They All Came Down To Montreux, CD, DVD june 2007

Live DVD Releases

* Mk II
o Concerto for Group and Orchestra, 1969 (CD 1969, DVD 2003)
o Special Edition EP, 1969 (Released 2003)
o Denmark 1972, 1972 (released 2004)
o Live In Concert 1972/73, 1972/1973 (Released 1988)
* Mk III
o Live in California 74, 1974 (Released 1974, DVD Remaster 2006)
* Mk II, Reunited
o Come Hell Or High Water, 1993 (DVD Release 2001)
* Mk VII
o Bombay Calling, 1995
o Live at Montreux, 1996
o In Concert with the London Symphony Orchestra, 1999
o Live in Australia: Total Abandon, 1999
o Perihelion, 2001
o Live Encounters, 2003
* Mk VIII
o They All Came Down to Montreux, june 2007

Compilation Albums

* Purple Passages, September 1972; # 57 US
* 24 Carat Purple, July 1975; #14 UK
* Powerhouse, 1977
* When We Rock, We Rock, and When We Roll, We Roll, 1978
* The Mark II Purple Singles, April 1979; #24 UK
* Deepest Purple: The Very Best of Deep Purple, July 1980; #1 UK, #148 US/ US: Gold
* The Anthology, June 1985; # 50 UK
* Knocking at Your Back Door: The Best of Deep Purple in the 80's, 1992
* The Deep Purple Singles A's and B's, January 1993 (1968-1976)
* 30: Very Best of Deep Purple, October 1998; #39 UK
* Smoke on the Water, 1998
* Shades 1968-1998, 1999
* The Very Best of Deep Purple, 2000
* Days May Come and Days May Go, 2000
* Listen, Learn, Read On, October 29, 2002 (6 disc box set)
* Winning Combinations: Deep Purple and Rainbow, 2003
* Deep Purple: The Platinum Collection, 2005

Hit singles

* 1968 "Hush" #4 US
* 1968 "Kentucky Woman" #38 US
* 1969 "River Deep - Mountain High" # 53 US
* 1970 "Black Night" #2 UK, # 66 US
* 1971 "Strange Kind of Woman" #8 UK
* 1971 "Fireball" #15 UK
* 1972 "Never Before" #35 UK
* 1973 "Smoke on the Water" #21 UK (1977 release), # 4 US
* 1973 "Woman from Tokyo" # 60 US
* 1974 "Might Just Take Your Life" # 91 US
* 1977 "New Live and Rare EP" #31 UK (including an unheard live version of Black Night)
* 1978 "New Live and Rare EP II" # 45 UK
* 1980 "Black Night" (reissue) # 43 UK
* 1980 "New Live and Rare EP III" # 48 UK (including Smoke on the Water)
* 1985 "Knocking at Your Back Door" # 61 US
* 1985 "Perfect Strangers" # 48 UK
* 1985 "Knocking at Your Back Door / Perfect Strangers" # 68 UK
* 1987 "Call of the Wild" # 92 UK
* 1988 "Hush" (re-recording) # 62 UK
* 1990 "King of Dreams" # 70 UK
* 1991 "Love Conquers All" # 57 UK
* 1995 "Black Night" (reissue) # 66 UK (remastered CD single)

2007-06-19T11:42:00.000-07:00

For our english readers, have fun

Deep Purple are an English hard rock band formed in London in 1968. Along with Led Zeppelin and Black Sabbath, they are considered one of the pioneers of heavy metal and hard rock,[4] although the members of the band have always refused to label themselves as the former. They have sold over 100 million albums worldwide.[5]

The band has gone through many line-up changes, as well as an eight years split and two reunions. Their second and most commercially successful line-up featured: Ian Gillan (lead vocals), Ritchie Blackmore (guitar), Jon Lord (keyboard), Roger Glover (bass guitar) and Ian Paice (drums).

History

(1964–1967) Pre-Deep Purple years

The band Episode Six released several singles in the UK during the mid-sixties. It featured Ian Gillan on vocals, Graham Dimmock on guitar, Roger Glover on bass, Tony Lander on guitar, Sheila Carter on keyboards, and Harvey Shields on the drums." Despite extensive touring, they never had their big break.

In 1967, a band called The Flower Pot Men and their Garden was formed, formerly known as The Ivy League. It was concentrated on a trio of singers. The new name was clearly derived from the children's show The Flowerpot Men, with the obvious psychedelic-era puns on flower power and "pot". The band's most popular song was "Let's Go To San Francisco." Some listeners assumed that the song was a parody of Scott McKenzie's "If You're Going to San Francisco," but the band has denied this. It featured Tony Burrows, Neil Landon, Robin Shaw, and Pete Nelson on vocals, Ged Peck on guitar, Nick Simper on bass, Jon Lord on organ, and Carlo Little on drums. Jon Lord had formerly played in The Artwoods, Nick Simper had been with Johnny Kidd & The Pirates and Screaming Lord Sutch's The Savages, where he also played with guitarist Ritchie Blackmore.

(1967–1970) Breakthrough

In 1967, former Searchers drummer Chris Curtis contacted London businessman Tony Edwards in the hope that he would manage a new group he was putting together. Curtis’ idea was that the members of the group would get on and off a musical roundabout, and suitably impressed, Edwards agreed to finance the venture with two business partners: John Coletta and Ron Hire (Hire-Edwards-Coletta – HEC Enterprises).

Curtis then set about building up the group, to be known as Roundabout. His first encounter was with Hammond organ player Jon Lord; then he persuaded session guitarist Ritchie Blackmore to return from Hamburg, Germany, to audition for the new group. Curtis himself, however, soon dropped out, but HEC Enterprises, as well as Lord and Blackmore, were keen that the project should continue, so firstly bassist Nick Simper, then finally vocalist Rod Evans and drummer Ian Paice (both of whom were from the group The Maze), were recruited. After their first few gigs on a brief tour of Denmark in the spring of 1968, the band agreed on a new name suggested by Ritchie, taken from a song composed by Peter De Rose, Deep Purple which was his grandmother's favourite song.

In October 1968, the group had tremendous success in the US (but not the UK) with a cover of Joe South's "Hush," taken from their debut album Shades of Deep Purple, and they were booked to support Cream on their Goodbye tour. However they were soon kicked off the tour, allegedly because they were upstaging the headlining act. The band's second album, The Book of Taliesyn, was released in the United States to coincide with this tour, although it would not be released in their home country until the following year. 1969 saw the release of their third album, Deep Purple, which contained strings and woodwind on one track (April).

After these three albums and extensive touring in the States, Rod Evans and Nick Simper were unceremoniously sacked, and replaced by vocalist Ian Gillan and bassist Roger Glover, both ex-Episode Six. This would create the quintessential Deep Purple "Mark 2" lineup. Initially, this version of the band released a great single probably influenced by the then-popular stage musical "Hair", a cover of a Greenaway-Cook tune titled "Hallelujah", which flopped. The band gained some much-needed publicity with the Concerto for Group and Orchestra, a three-movement epic composed by Lord as a solo project and performed by the band at the Royal Albert Hall with the Royal Philharmonic Orchestra, conducted by Malcolm Arnold. Together with Five Bridges by The Nice, it was one of the first collaborations between a rock band and an orchestra, although at the time, certain members of Purple (Blackmore and Gillan especially) were less than happy at the group being tagged as "a group who played with orchestras" when actually what they had in mind was to develop the band into a much tighter, hard-rocking style.

(1970–1976) On top of the world and breakup

Shortly after the orchestral release, the band began a hectic touring and recording schedule that was to see little respite for the next three years. Their first studio album of this period, released in mid-1970, was Deep Purple in Rock and contained the then concert staples "Speed King", "Into The Fire", and "Child in Time". The band also issued the UK Top Ten single "Black Night". Blackmore's and Lord's guitar-keyboard interplay coupled with Ian Gillan's howling vocals and the solid rhythm section of Glover and Paice, now started to take on a unique identity and become instantly recognisable to rock fans throughout Europe. A second album, the more mellow and creatively progressive Fireball (a favourite of Gillan but not of the rest of the band ), was issued in the summer of 1971, including the singles "Fireball" and "Strange Kind of Woman". Together with Led Zeppelin and Black Sabbath, Purple were laying the groundwork for what is now called heavy metal music, although at the time, the phrase was still wholly unknown.

Within weeks of Fireball's release, the band was already performing songs planned for the next album. One song (which later became "Highway Star") was performed at the first gig of the Fireball tour, having been written on the bus to a show in Portsmouth, in answer to a journalist's question: "How do you go about writing songs?" Three months later, in December 1971, the band found itself in Switzerland to record Machine Head. The album was due to be recorded at a casino in Montreux, using the Rolling Stones Mobile Studio, but a fire during a Frank Zappa and the Mothers of Invention gig burned down the casino. The album was actually recorded at the nearby empty Grand Hotel. This incident famously inspired the song "Smoke on the Water". Gillan believes that he witnessed a man fire a flare gun into the ceiling during the concert, prompting Zappa to comment: "I see Arthur Brown is here tonight."

Continuing from where both previous albums left off, Machine Head has since become one of the band's most famous albums, including tracks that became live classics such as "Highway Star", "Space Truckin' ", "Lazy", and "Smoke on the Water", all of which were performed in their live album Made in Japan. Deep Purple continued to tour and record at a rate that would be rare thirty years on: when Machine Head was recorded, the group had only been together three and a half years, yet it was their seventh LP. Meanwhile the band undertook four US tours in 1972 and the August tour of Japan that led to a double-vinyl live release, Made in Japan. Originally intended as a Japan-only record, its world-wide release saw the double become an instant hit. It remains one of rock music's most popular and highest selling live concert recordings (although at the time it was perhaps seen as less important, as only Glover and Paice turned up to mix it).

The classic Purple Mk 2 line-up continued to work and released the album Who Do We Think We Are (1973), featuring the hit single "Woman from Tokyo", but internal tensions and exhaustion were more noticeable than ever. The bad feelings culminated in Ian Gillan quitting the band after their second tour of Japan in the summer of 1973, and Roger Glover being pushed out with him. Their replacements were an unknown singer from Redcar in Northern England, David Coverdale, and Midlands bassist/vocalist Glenn Hughes, formerly of Trapeze. This new line-up continued into 1974 with the a more heavy blues-rock album Burn, another highly successful release and world tour. Hughes and Coverdale added both vocal harmonies and a more funky element to the band's music, a sound that was even more apparent on the late 1974 release Stormbringer. Besides the title track, the album had a number of songs that received much radio play, such as "Lady Double Dealer", "The Gypsy", and "Soldier Of Fortune". Yet Blackmore voiced unhappiness with the album, and as a result left the band in the spring of 1975 to form his own band with Ronnie James Dio and Elf, called Rainbow.

With Blackmore's departure, Deep Purple was left to fill one of the biggest vacancies in rock music. In spite of this, the rest of the band refused to go down without a fight, and to the surprise of many long-time fans actually announced a replacement for the "irreplaceable" Man in Black; American Tommy Bolin.

It was Coverdale who had suggested auditioning Bolin. "He walked in, thin as a rake, his hair coloured green, yellow, and blue with feathers in it. Slinking along beside him was this stunning Hawaiian girl in a crochet dress with nothing on underneath. He plugged into four Marshall 100-watt stacks and . . ." The job was his. Bolin had been a member of many now-forgotten mid-60s bands - Denny & The Triumphs, American Standard, and Zephyr, which released three albums from '69-72. Before Purple, Bolin's best-known recordings were made as a session musician on Billy Cobham's 1973 jazz fusion album, Spectrum, and on The James Gang's "Bang" (1973) and "Miami" (1974). He had also jammed with such luminaries as Dr. John, Albert King, and Alphonse Mouzon and was busy working on his first solo album, Teaser, when he accepted the invitation to join Deep Purple.

The resulting album, Come Taste the Band, was released in the US in October 1975. Despite mixed reviews, the collection revitalised the band once again, bringing a new, extreme funk edge to their hard rock sound. Bolin's influence was crucial, and with encouragement from Glenn Hughes and David Coverdale, the guitarist came up with much of the material. Later, Bolin's personal problems with drugs began to manifest themselves, and after cancelled shows and below-par concert performances, the writing was on the wall for the band.

(1976–1984) Band split, side projects

The end came on tour in Britain in March 1976 at the Liverpool Empire Theatre. David Coverdale reportedly walked off in tears and handed in his resignation, to which he was allegedly told there was no band left to quit. The decision to pull the plug on Purple had been made some time before the last show by Lord and Paice (the last surviving original members), who hadn't told anyone else. The break-up was finally made public in July 1976.

Later, Bolin had just finished recording his second solo album, Private Eyes, when, on December 4, 1976, tragedy struck. In Miami, during a tour supporting Jeff Beck, Bolin was found unconscious by his girlfriend. Unable to wake him, she hurriedly called paramedics, but it was too late. The official cause of death: multiple-drug intoxication. He was 25 years old.

After the break-up most of the past and present members of Deep Purple went on to have considerable success in a number of other bands, including Rainbow, Whitesnake, Black Sabbath and Gillan. There were, however, a number of promoter-led attempts to get the band to reform, especially with the revival of the hard rock market in the late 70s/early 80s. By 1980, a new version of the band surfaced.

(1984–1994) Reunions and breakups

In 1980, Rod Evans, along with a group of unknown musicians, toured under the banner of Deep Purple. As he was the only original member, and one little known to most fans, this band was instantly derided by press and fans alike as a fraud. The lineup performed concerts in Mexico and the USA before legal action was taken to deny them the use of the name. More information on this "fake" Deep Purple is available here and here.

However, in April 1984, eight years after the demise of Deep Purple, a full-scale (and legal) reunion happened. It was announced on BBC radio's The Friday Rock Show that the "classic" early 70s line-up of Blackmore, Gillan, Glover, Lord, and Paice was reforming and recording new material. The band signed a deal with Polydor Records in Europe and Mercury in North America (both labels were at the time owned by PolyGram, they are now part of Universal Music Group). The album Perfect Strangers was released in October 1984. A solid release, it sold extremely well, and included the singles and concert staples "Knockin' At Your Back Door" and "Perfect Strangers". The reunion tour followed, starting in Australia and wending its way across the world into Europe by the following summer. Financially, the tour was also a tremendous success. The UK homecoming proved limited, as they elected to play just a single festival show at Knebworth (with main support from the Scorpions). The weather was famously bad but 80,000 turned up anyway.

The line-up then recorded The House of Blue Light in 1986, which was followed by a world tour in 1987. This was followed by another live album Nobody's Perfect (1988) which was culled from several shows on this tour, but still largely based around the by-now familiar "Live in Japan" set-list. In the UK a new version of "Hush" was released to mark 20 years of the band. In 1989, Ian Gillan was fired from the band, as his relations with Blackmore had again soured, and their musical differences had widened too far. Gillan's replacement was former Rainbow vocalist Joe Lynn Turner. This line up recorded just one album, Slaves & Masters (1990) and toured in support. It is one of Blackmore's favourite Purple albums, though some fans regard it as little more than a Rainbow album. Despite the renewed excellence of the band during this period, many hard-core fans were unhappy with Turner, preferring Gillan.

With the tour done, Turner was forced out, as Lord, Paice and Glover wanted Gillan back in the fold. Blackmore relented and the classic line-up recorded The Battle Rages On in 1993. During the European tour during the fall of 1993, tensions between Gillan and Blackmore came to a head yet again. Blackmore walked out in November 1993, never to return. Joe Satriani was drafted in, so the live dates (in Japan) in December could be completed. Satriani stayed on for a European Summer tour in 1994, and he was asked to stay permanently, but his record contract commitments prevented this. The band unanimously chose Dixie Dregs guitarist Steve Morse to become Blackmore's permanent successor.

(1994–present) Revival with Steve Morse

Steve Morse’s arrival thoroughly revitalised the band creatively, and in 1996 Purpendicular was released to critical acclaim in some quarters. With a revamped set list to tour, Deep Purple enjoyed success throughout the rest of the 1990s, releasing the harder-sounding Abandon in 1998, and touring with renewed enthusiasm. In 1999, Jon Lord, with the help of a fan who was also a musicologist and composer, painstakingly recreated the Concerto for Group and Orchestra; the original score having been lost. It was once again performed at the Royal Albert Hall in September 1999, this time with the London Symphony Orchestra conducted by Paul Mann. The concert also featured songs from each member’s solo careers, as well as a short Deep Purple set, and the occasion was commemorated on the 2000 album In Concert with the London Symphony Orchestra. In early 2001 two similar concerts were performed in Tokyo and released as part of the box set The Soundboard Series.

Much of the next few years was spent on the road touring. The group continued forward until 2002, when founding member Jon Lord (who, along with Ian Paice, was the only member to be in all incarnations of the band) announced his amicable retirement from the band to pursue personal projects (especially orchestral work). Rock keyboard veteran Don Airey (Rainbow/Ozzy Osbourne), who had helped Deep Purple out when Lord was injured in 2001, joined the band. In 2002, Deep Purple released their first studio album in five years, the highly praised (but controversially titled) Bananas, and began touring in support of the album immediately. In July 2005 the band played at the Live 8 concert in Park Place (Ontario) and, in October of the same year, released their next album Rapture of the Deep. Although recorded in just a few weeks, some considered it to be their most progressive and adventurous work for many years and it was followed by the presently ongoing Rapture of the Deep tour.In 2004, from left to right, Roger Glover, Ian Paice, Ian Gillan, Don Airey and Steve Morse

2007-06-18T15:40:00.000-07:00

Mk V: Un Parentesis en la Carretera Púrpura

El cupo fue ocupado por el ex-Rainbow, el vocalista Joe Lynn Turner (Hackensack, New Jersey, U.S.A. - Agosto 2, 1951). Con el nuevo vocalista en Octubre de 1990 sale al mercado el álbum Slaves & Masters, con un sonido mucho más melódico y armonioso que sus antecesores, lejos de sonido Púrpura característico, pero sin desconocer que aquellas composiciones no eran tampoco absolutamente desechables, Ritchie Blackmore apuesta por la construcción de memorables melodías y en cierta forma parece lograr aquello, mucho de ello también es merito del nuevo vocalista, sin embargo en vivo la historia era diferente, a pesar de interpretar clasicos del "Mk III" , temas vetados por "Gillan", comenzando los conciertos con el memorable "Burn", e incorporando en el Set list el clasico "Hey Joe", los resultados no satisfizo al resto de la banda, además de la presión de los fans que definitivamente no aceptan esta nueva formación, voluntades internas y del propio sello discográfico, despiden a Turner mientras realizaban las grabaciones del próximo álbum y nuevamente es convocado Ian Gillan a la banda pero esta vez sin la venia de Ritchie Blackmore .

Mk IIc: La Batalla del Odio Continúa

Con la incorporación de Ian Gillan nuevamente a la banda y con un álbum a medias, este decide re-escribir las letras, el resultado final, The Battle Rages On , placa lanzada en Julio de 1993 , título que refleja de cierto modo el tenso ambiente interno, emerge nuevamente el sonido característico de la banda con temas sólidos como el homónimo "The Battle Rages On", "Anya", "Nasty Piece of Work" o "A Twist in the Tale", a pesar de las rencillas internas el álbum es simplemente genial en su escencia rock, incluso los propios miembros de la banda no dudan en calificarlo como el mejor álbum hecho por la banda hasta esa fecha, definitivamente éste es el engranaje que permite poner en óptima operación a esta maquina musical, pero a pesar de tener toda la tecnología disponible a su alcance y lo satisfactorio del resultado los problemas y roces internos insuperables de sus miembros tienen mucho más peso a la hora de evaluar la continuidad de la banda, la única salida para ello es la deserción de Blackmore o Gillan .

Comienza la gira de promoción del álbum, por donde recorren EE.UU. y Europa, ya en el escenario se logra percibir el ambiente enrarecido entre los integrantes del grupo, bises en donde Blackmore acompaña a la banda con su guitarra pero él detrás de los Amplificadores, o simplemente retirándose dejando a sus compañeros sobre el escenario, Gillan haciendole reverencias sarcásticas al aparecer este en escena, en fin, sin duda alguna una batalla de egos insuperable, en medio de la gira japonesa Blackmore decide poner fin a su continuidad en la banda, creyendo que con su salida la muerte era prácticamente inminente para Deep Purple.

Mk VI: La Formación Under

A pesar de los contratiempos los demás miembros deciden terminar la gira y los compromisos pendientes, es así como contactan al gran guitarrista Joe Satriani (Carle Place, New York, USA - Julio 15,1956) quien venia recién saliendo de estudio de grabación y disponia de algún tiempo para apoyar a Deep Purple, su llegada puso paños fríos a la ya desesperada situación y de paso ver un potencial reemplazo de Blackmore, sin embargo Satriani debe cumplir sus compromisos con el sello por lo que prefiere seguir su carrera solista no sin antes recomendar a Steve Morse para el puesto.

Mk VII: Un Nuevo Aire Púrpura

Es así como el guitarrista norteamericano Steve Morse (Hamilton, Ohio, USA - Julio 28,1954) , quién había participado anteriormente en las bandas Dixie Dregs y Kansas y que además tiene la suya propia Steve Morse Band (en donde lo acompañan Dave LaRue en el bajo y Van Romaine en batería) se integra al grupo sin ningún inconveniente. Su incorporación supuso un cambio del estilo musical de la banda, caracterizado por el virtuosismo y sus técnica de guitarra que resulta mucho más moderno que el sonido clásico de Ritchie Blackmore. En febrero de 1996 se lanza al mercado la excelente placa "Purpendicular", y comienzan nuevamente a girar por todo el orbe, esta vez llegando incluso hasta Sudamerica.

Argentina, México, Brasil, Perú y Chile son los países seleccionados para la gira Sud-americana, en este último País y en su presentación debut ocurre un episodio lamentable para la banda, tal fue el nivel de convocación y efervescencia de Deep Purple en los Fans locales que al comenzar el show el público ocupó sectores para ellos prohibidos como la torre de control, dada la gran cantidad de público apostado en ella que al término del segundo tema (Fireball) esta finalmente terminó por desplomarse, cayendo estrepitosamente, muchos heridos de diversa consideración pero afortunadamente sin perdida de vidas que lamentar, el show se canceló por el espacio de 45 minutos y por decisión de la Banda volvieron al escenario, Jon Lord comentó posteriormente que fue uno de los espectáculos más tristes de su vida.

Por otra parte Ritchie Blackmore vuelve a reunir Rainbow, en esta ocasión solo él es el componente original de la banda, en 1995 edita un excelente disco titulado "Strangers in Us All" para posteriormente y junto a su esposa Candice Night formar la banda Blackmore´s Night, la cual hasta la fecha llevan editados 5 álbumes de estudio y uno en vivo.

Volviendo a Deep Purple editan en Mayo de 1998 la placa titulada "A.band. On", éste sería el último álbum de estudio en donde Jon Lord aparezca como miembro del grupo ya que en 2003 en un concierto de despedida se retira definitivamente de la banda.

Mk VIII: La Lógica Sucesión

Lord es reemplazado por el tecladista Don Airey (Sunderland, Northeast, UK - Junio 21,1948) quien cuenta con una larga trayectoria y excelente reputación musical, anteriormente participó con ex-purples en bandas como Rainbow y Whitesnake , colaborando con grandes artistas de la escena musical como Gary Moore y Ozzy Osbourne, en Don Airey siempre estuvo el deseo oculto de formar parte de Deep Purple, siempre considero la oportunidad de entrar a la banda si alguna vez Jon Lord , y en definitiva la ida de Lord le permitió a él cumplir aquel deseo, además por sus capacidades como compositor e interprete del famoso organo Hammond era el reemplazo lógico a la hora de evaluar nombres, Deep Purple siempre ha sido una banda de 5 músicos y nada lo va a cambiar, comentaba Roger Glover, desde el primer ensayo, Don fue integrado en la composición de las canciones al igual que Jon lo hizo antes". De esta forma y tras varios cambios internos a través de los años la banda queda finalmente conformada por Ian Gillan en voz, Roger Glover en bajo, Steve Morse en guitarra, Don Airey en Organo Hammond y teclados y finalmente Ian Paice en batería, configurando la formación Mk VIII.

Con el nuevo integrante Deep Purple lanza al mercado en Agosto del 2003 el álbum Bananas y recientemente en Julio del 2005 editan el Cd Rapture of the Deep. La banda entra en un pequeño receso en donde cada uno de sus integrantes cubre sus proyectos personales, luego desde Octubre hasta Diciembre del 2006 siguen con el "Rapture of the Deep Tour", en donde están agendadas presentaciones en Europa, Ukrania y Rusia, para continuar en la segunda mitad de Noviembre con el Tour Sud-Americano, donde visitan Uruguay, y por segunda vez en el mismo año Brasil, Argentina y terminando en Chile, continuando con la gira la banda comienza el 4 de marzo en Albania, pasando por Italia y finalizando Marzo en francia, posteriormente en Abril estará actuando en Inglaterra, Escocia y Gales, comenzando los primeros días de Mayo la banda vuelve a Francia, continuando la gira en Suiza, Noruega, Bélgica, Holanda, Luxemburgo, Finlandia, finalizando el día 26 de Mayo en Dinamarca.

video con la formacion mark III

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2007-06-15T21:05:00.000-07:00

Mk III: Coverdale y Hughes

Una vez más Deep Purple se ve en la tesitura de buscar a dos componentes. Ritchie Blackmore pensó entonces que para el puesto de bajista sería interesante un hombre que también tuviera voz para apoyar al cantante principal en los coros. Se tantearon varios nombres para el puesto, como su gran amigo el cantante de Free, Paul Rodgers , o el líder de Thin Lizzy Phil Lynott, con quién incluso hicieron algunas tocattas en conjunto con Ian Paice, pero finalmente aquello no prosperó. Finalmente el prácticamente desconocido David Coverdale (Saltburn by the Sea, UK - Septiembre 22,1951) , sería la voz principal de la banda, ( curiosamente Coverdale guarda un estilo vocal muy similar al de Rodgers aunque su registro es más grave ) siendo apoyado por Glenn Hughes (Cannock, Uk - Agosto 21,1951) , bajista y cantante principal de la banda Rock-funk Trapeze. De nuevo con todas las piezas, Deep Purple graba en 1974 el álbum Burn. Canciones como la homónima Burn, Mistreated o You fool No One se convirtieron en nuevos clásicos de la banda y de paso alcanzar mayor popularidad de la que gozaban con sus ex-integrantes, aun en la senda del Hard Rock, se incluyen ritmos más marcados de blues, soul y R&B, sobre todo por la influencia de los dos nuevos componentes.

Un caso anecdótico ocurrió en el California Jam Festival celebrado en California en abril de 1974, Ritchie Blackmore casi al final del concierto destrozó una cámara de la cadena estadounidense ABC con su propia guitarra para luego lanzarla al público e incendió varios de los equipos de sonido, lo que llevó a la banda a prácticamente huír en Helicóptero del lugar. Finalizada la gira, los Purples se van a Alemania a grabar un nuevo disco, Stormbringer, que se publicaría a finales de año. En el intertanto Jon Lord siguiendo con su línea clasica edita un nuevo álbum solista llamado "Windows" grabado en vivo en Junio de 1974 en el German festival de Munich, Alemania, lo acompañan la "The Munich Chamber Opera Orchestra", también David Coverdale, Glenn hughes, Ray Fenwick, Pete York y Tony Ashton entre otros. Volviendo al recién editado Álbum el Hard Rock del que siempre hizo gala Deep Purple quedó algo enrarecido por los ritmos funky y soul que le imprimió sobre todo Glenn Hughes, Blackmore calificó el resultado como "una mierda". A mediados de 1975, Ritchie Blackmore, en desacuerdo con los nuevos derroteros que había tomado el grupo, se reunió con los miembros de la banda ELF, en la que descubriría al cantante Ronnie James Dio, y forma Rainbow, dando su etapa con Deep Purple por cerrada. Esto parecía un golpe definitivo al resto de los miembros, ya que Ritchie Blackmore era para muchos el buque insignia del grupo, para Jon Lord este golpe despierta en él los deseos de desertar, ya nada seria lo mismo sin Blackmore , pero Coverdale finalmente lo convence de seguir adelante, solo había que encontrar un buen guitarrista.

Mk IV: Comienzo del fin

A pesar del duro golpe que supuso la salida de Ritchie Blackmore, los demás miembros intentaron seguir adelante. Se barajaron algunos nombres, unos de los más seguros era del guitarrista de la banda Humble Pie Dave Clempson , hicieron algunos ensayos pero por decisión propia optó por seguir con su banda, finalmente reclutaron a un joven guitarrista, el estadounidense Tommy Bolin (Sioux City, Iowa, USA - Agosto 1,1951) avalado por David Coverdale. A pesar de su corta edad, 24 años, se había ganado un nombre como guitarrista gracias a su trabajo con músicos de Jazz como Billy Cobham (Spectrum - 1973) , su paso por la Banda James Gang (Bang -1973, Miami - 1974) y la colaboración en el álbum de Alphonze Mouzon "Mind transplant" de 1975, además de sus anteriores grabaciones con su Banda llamada "Electric Zephir" para en 1969 acortar su nombre a "Zephir" solamente. Con ella grabó en 1969 el álbum homónimo Zephir , en 1971 edita su segundo álbum "Going back to Colorado" , decide abandonar la banda para concentrarse a sus proyectos solistas, es así como en 1975 edita el álbum Teaser, es en este periódo cuando recibe la invitación de incorporarse a Deep Purple , banda que el mísmo reconocería no conocer, a pesar de su fama internacional.

Con la llegada de Tommy Bolin parecía que el sonido Hard Rock que caracterizó al Deep Purple de éxitos como In Rock o Machine Head quedaba apartado. Esto se hizo más notorio con la publicación a finales de 1975 de Come Taste the Band, disco donde los sonidos funky y soul se hicieron más presentes que nunca. Los problemas tampoco estuvieron ausentes en las sesiones de grabación puntualmente en la persona de Hughes, quién por motivo a su adicción a las drogas no estuvo disponible en casi todo el proceso de grabación, por lo que Bolin tuvo que ocupar su lugar en el Bajo, La gira posterior del disco fue bastante frustrante para los miembros de la banda. La adicción a la heroína de Tommy Bolin le hacía ser bastante irregular en los conciertos, comprometiendo el nombre que se había ganado Deep Purple tras muchos años, evidencia de ello queda registrada en el álbum en vivo titulado "Last Concert in Japan", que en principio solo fue editado en ese País. La magia, la fuerza y el sonido Púrpura ya se habían ido, por lo que solo quedaba la más dura pero inevitable consecuencia, la separación.

En marzo de 1976 se produjo la ruptura definitiva del grupo en una decisión consensuada no por todos los miembros. Glenn Hughes se enteró de la disolución de la banda a través de los periódicos, la falta de un líder nato, los problemas con las drogas de Tommy Bolin y Glenn Hughes y, sobre todo, el cansancio tras muchos años de giras y discos, dio carpetazo a Deep Purple durante muchos años. David Coverdale arrancaría su carrera en solitario, formando posteriormente la banda de hard rock Whitesnake. Glenn Hughes también comenzó con su carrera en solitario, aunque ensombrecida por numerosos problemas con las drogas. Ian Paice y Jon Lord se unirían al también tecladista y vocalista Tony Ashton y formarían Paice, Ashton, Lord. Sin embargo, esta formación fue muy efímera, y tanto Ian Paice como Jon Lord acabaron en la banda de David Coverdale, Whitesnake. Finalmente Paice se iría a la banda de Gary Moore . El malogrado guitarrista Tommy Bolin fallecería el 4 de Diciembre de 1976, en Miami, Florida, por una mezcla mortal de estupefacientes y alcohol .

Mk IIb: La Historia Continúa

Tuvieron que pasar 8 años desde la última vez que Deep Purple subió a un escenario, cada uno de sus integrantes avocados a sus proyectos personales, Rainbow , Whitesnake, Gary Moore Band, Ian Gillan Band , eran algunas de las bandas que albergaban a los ex-miembros de Purple , a pesar de tiempo transcurrido, los rumores sobre una reagrupación no se hicieron esperar, además de cuando en cuando aparecían recopilaciones en vivo aumentando la nostalgia en los fans de todo el mundo, hasta que en 1980 una falsa re-encarnación de Deep Purple liderada por el primer vocalista de la Banda, Rod Evans, apareció por los circuitos y bares de la costa oeste de los EE. UU., interpretando temas en los cuales él no tenía ninguna participación en la composición, el punto negro fue una presentación en México cuando los fans al constatar que sobre el escenario no estaban los miembros originales rompieron todo en señal de protesta, Ritchie Blackmore y Roger Glover entablaron una demanda judicial en L.A. Ca. solicitando la prohibición del uso del nombre de la banda, medida que favoreció a los últimos, de paso Evans es condenado a pagar una alta suma monetaria por los daños ocasionados al nombre de la banda, al constatar la imposibilidad de pagar dicha suma el Juez dictaminó en contra de Evans la cancelación de recibos y royalties de los tres primeros álbumes de la banda en donde el aparecia como compositor.

De esta manera llegamos a Abril de 1984 los rumores y la esperanza de ver a Deep Purple nuevamente se hace realidad, Blackmore, Gillan, Glover, Lord y Paice los miembros más emblemáticos de Deep Purple, la gran formación Mark II se reagrupa dando inicio luego de casi una década al renacimiento de una de las bandas pilares del Rock, es así como Deep Purple edita un nuevo álbum titulado Perfect Strangers, dando inicio a extensas giras por todo el mundo, el tiempo y la madurez parece haber sepultado definitivamente las desaveniencias de juventud y la fuerza, virtuosismo y solidez musical se ven reflejadas en los posteriores álbumes en vivo lanzados por los sellos, que ven en ellos una mina de oro con aún mucha vida util y que era necesario seguir explotando, a eso le sumamos la gran cobertura que la prensa en todo el orbe le dedicaba a estos 5 personajes, dieron pie para que la prensa y revistas especializadas otorguen sin problemas los títulos de "Mejor guitarrista, tecladista, baterista, etc....del año", como una especie de reivindicación a cada uno de los integrantes, en Enero de 1987 editan un nuevo álbum "The House of Blue Light", sin embargo aquello que a esas alturas se creía sepultado y al igual que en la década anterior resurge nuevamente, los roces de liderazgo entre Blackmore y Gillan , como resultado este último es despedido del grupo, corría el año 1989 y otra vez la banda se ve en la tesitura de encontrar un nuevo vocalista.

2007-06-14T10:52:00.000-07:00

Mk II: La Formación Clásica

Con la llegada de los dos nuevos componentes, la banda ya tenía todas las piezas necesarias para el cambio de sonido que necesitaba. Sin embargo, el primer disco de la nueva formación sería el proyecto para muchos más aventurero hecho hasta esa fecha, ideado por el tecladista Jon Lord, quién había escrito un concierto el cual unía la sutileza del sonido sinfónico clásico y la varguardia de la música pop, escrita en tres movimientos, en cuestiones de orquestación Lord contó con la inestimable ayuda del compositor, trompetista, Director Orquestal y ganador de un Oscar de la Académia por la composición de la banda Sonora para la película de 1957 "El Puente sobre el Río Kwi", el británico Sir Malcolm Arnold (Northampton, UK, Octubre 21,1921 — Norfolk, UK, Septiembre 23,2006) . Su idea se vio reflejada y presentada en vivo el 24 de septiembre de 1969 en el Royal Albert Hall de Londres, con Sir Malcolm Arnold dirigiendo a la Royal Philarmonic Orchestra , publicada posteriormente en enero de 1970 bajo el título Concerto for Group & Orchestra . Si bien es sabido que el nuevo álbum no fue un exito de ventas, sí le permitió a Deep Purple obtener el respeto y admiración de parte de la critica y público británico, que hasta ese entonces la catalogaban como banda creada para el consumo americano solamente.

Gracias a este reconocimiento, la BBC encargó a Jon Lord la composición de una nueva obra, el resultado se llamó Gemini Suite , grabado por la banda en vivo el 17 de Septiembre de 1970 en el Royal Festival Hall de Londres junto a la Orchestra of the Light Music Society conducido por Sir Malcolm Arnold.

Un mes antes, en Agosto de 1970 sale al mercado el primer disco Hard Rock de la banda titulado "In Rock", fue el cambio definitivo del sonido de Deep Purple, pasando de ser una banda rock/pop con toques incluso progresivos, donde sus mayores éxitos eran versiones de otros grupos, a ser uno de las formaciones de Hard Rock más sólidas del momento. En In Rock se encuentran canciones clave dentro de la historia de Deep Purple, como Child in Time, Speed King o el single Black Night, dando inicio a una larga gira por el norte de Europa.

En Julio de 1971 Deep Purple se embarca en la gira Norteamericana junto a la Banda de Rod Stewart The Faces y dos meses más tarde publica Fireball , alcanzando el Top 40 de los charts americanos y el No. 1 de las listas británicas, otorgando la solidez suficiente para que la banda creára en Octubre de ese mismo año su propio sello Discográfico "Purple Records".

Todo va en buen camino para los miembros de Deep Purple, a excepción de Roger Glover, quien extrañamente comienza a sufrir intensos dolores estomacales y con el correr del tiempo estos inconvenientes fueron incrementándose, a tal punto de poner en riesgo las presentaciones de la banda, Blackmore, observaba la situación como un espectador más, solo en una oportunidad en el backstage mientras Glover se retorcía de dolor atinó a comentarle que podía sufrir esos dolores mientras estaban actuando, así le echaban combustible y quemaban su cuerpo para de esa manera realzar el espectáculo, fue tal el problema que en una oportunidad Glover fue reemplazado en el bajo por Chas Hodges, antiguo compañero de Blackmore en la banda The Outlaws, ni los doctores pudieron aplacar el malestar, finalmente con unas sesiones de hipnoterapia pudo solucionar el problema, todo se debía a una tensión subconsciente.

El 3 de Diciembre la banda se encuentra en Montreux Suiza para comenzar con las sesiones de su próxima placa, Machine Head , su obra de mayor éxito comercial, álbum que contiene varios de sus himnos más reconocidos, como Lazy, Highway Star o la popular Smoke on the Water, canción que narra lo ocurrido al grupo en un incendio que arrasó el casino de Montreaux en Suiza mientras asistían a un concierto de Frank Zappa and "The Mother of Inventions". Cabe señalar que ese previamente había sido el lugar escogido por la banda para las sesiones de grabación de su nueva placa, este desafortunado incidente motivó a que finalmente tuvieran que alquilar un hotel vacío por temporada para comenzar aquellas sesiones utilizando el estudio móvil de grabación de la Banda The Rolling Stones, monstruosas giras y concientros en vivo le suceden, tocando durante 44 semanas seguidas, solo siendo secundados por Led Zeppelin, los conciertos de presentación de Machine Head en Japón fueron registrados y publicados en Enero de 1973 en el afamado álbum en vivo Made In Japan, placa que mantiene el record de "el álbum en vivo más vendido en la historia de la música". Aunque la banda había llegado a la cima del éxito, las extensas giras, el cansancio físico y el estress hicieron merma en las relaciones internas, puntualmente entre Ritchie Blackmore y Ian Gillan , quienes en un principio eran grandes amigos, compartiendo las mismas habitaciones en las giras y mutuos complices de travesuras que en más de una ocasión les produjo algún grado de inconvenientes, sin embargo la fama cobra sus víctimas a la hora de evaluar los egos personales y mantener el control absoluto dentro de una banda que cada día se hacia más grande.

En 1973, la formación MkII lanza al mercado discográfico lo que sería su último disco de estudio, Who Do We Think We Are. Poco después Ian Gillan comunica al resto de los miembros su alejamiento, y, tras su última presentación junto a la banda el día 29 de Junio de 1973 en Osaka, Japón, abandona ésta para iniciar su carrera en solitario no antes de un corto receso musical. El bajista Roger Glover a pesar de su solvencia y calidad musical, es despedido por los demás miembros de la banda sin motivos justificables, lo cual lo dejaría con una profunda depresión, luego de superar este doloroso episodio comenzaría una carrera como productor musical de nacientes bandas como Status Quo y Nazareth , y en el año 1974 edita su primer álbum en solitario titulado The Butterfly Ball , obra basada en un libro infantíl del mismo nombre en donde cuenta con la colaboración de David Coverdale, Glenn Hughes, Mickey Lee Soul y Ronnie James Dio en otros, Ian Gillan colaboraría en la presentaciones en vivo de esta obra en el Royal Albert Hall de Londres, luego vendrían otras placas, Elements de 1978, The Mask de 1984 y Snapshot de 2002, también forma parte de la banda de Ritchie Blackmore Rainbow y en 1988 edita un Álbum junto a Ian Gillan titulado Accidentally ON PURPOSE.

Ian Gillan por su parte reaparece en la escena musical en el año 1976 con su banda Ian Gillan Band y el álbum Child in Time , ese mismo año se edita el álbum Clear Air Turbulence , Scarabus de 1977 y por últmio Live At the Budokan de 1978 , acorta el nombre a la banda llamándose solamente Gillan, con esta se editan los álbumes The Japanese Álbum y Mr. Universe de 1979 , justo en este periodo cuando por fin esta cerca la consolidación musical, Gillan, recibe una desagradable noticia, debe cancelar todo y someterse lo antes posible a una operación, la causa, nódulos en sus cuerdas vocales, se cancela absolutamente todo, y el trabajo realizado vuelve a fojas cero, una vez recuperado edita el álbum Glory Road de 1980 , Double Trouble de 1981 y Magic de 1982 , para en 1983 ingresar como vocalista a las filas de Black Sabbath editando el álbum Born Again , en 1988 edita junto a Glover el álbum Accidentally ON PURPOSE , cambia su nombre artístico al de "Garth Rockett & the Moonshiners" , lanzando en 1990 Live At the Ritz , y por último editando álbumes con su nombre Ian Gillan , Naked Thunder de 1991 , Toolbox de 1992, también en este año se edita el álbum titulado Cherkazoo and Other Stories , el cual contiene una compilación de grabaciones realizadas entre 1973 y 1975 pero que nunca habían sido editadas, DreamCatcher de 1998 y el reciente Gillan´s Inn de 2006 .

Volviendo a la crisis interna en Deep Purple con la salida voluntaria de uno y obligatoria de otro, las gestiones para conseguir un cantante y un bajista no se hicieron esperar.

2007-06-12T12:35:00.001-07:00

Deep Purple y el Mark I

Lord, Blackmore y Edwards siguen en la empresa de consolidar Roundabout y junto al bajista Nick Simper (Norwood Green, Middlesex, UK - Noviembre 3, 1945), quien junto a Lord había participado en la banda The Flowerpot Men, además ya venia sesionando junto Curtis y Lord en Roundabout, para buscar un vocalista insertan un aviso en el "Melody Maker" , Rod Evans (Slough, Berkshire, UK - Enero 19,1947), vocalista de la banda "The Maze" responde el aviso, junto a él lo acompaña su camarada de banda el baterista Ian Paice (Nottingham, Junio 19, 1948), viejo conocido de Lord y Blackmore quien también se queda en la banda. Finalmente el grupo queda formado por Rod Evans en voz, Ritchie Blackmore en guitarra, Jon Lord en los teclados, Nick Simper en bajo y por último Ian Paice en batería. En abril, y después de firmar un contrato con Tetragrammation en EEUU, Canadá y Japón, y con EMI para el resto del mundo, realizan un pequeña gira por los paises escandinavos como Roundabout, de regreso la banda cambiaría de nombre al definitivo Deep Purple, nombre extraído de la canción favorita de la abuela de Blackmore, "Deep Purple Dreams".

Tomando como modelo a la Banda norteamericana "Vanilla Fudge" del cual Blackmore y Lord eran fans incondicionales debutan con mucho éxito en Estados Unidos con su versión del tema "Hush" del artista country Joe South , canción que ya venian ensayando Lord y Curtis un tiempo antes de que Blackmore se incorpora al proyecto Roundabout, la canción alcanza el 4to. lugar de los US chart, tema incluido en su primer disco "The shades of Deep Purple", álbum que alcanza el puesto No. 25 de las listas americanas, embarcándose entre los meses de Octubre y Diciembre en su primera gira americana siendo teloneros de bandas de primer nivel, como Cream o Creedence Clearwater Revival . Sin embargo en casa pasan absolutamente desapercibidos.

A principios de 1969 vuelven al estudio para grabar su segundo álbum, "The Book of Taliesyn" y en Noviembre la Banda edita su tercer álbum titulado simplemente "Deep Purple" . Sin embargo para esa fecha la banda ya había cambiado a dos de sus integrantes. La causa: tanto Blackmore, como Lord y Paice no estaban satisfechos con el desempeño de sus otros compañeros, por lo que deciden ir en la búsqueda principalmente de un nuevo vocalista.

Sin perder tiempo Blackmore contacta con su amigo el baterista Mick Underwood solicitando su ayuda en esta tarea. Cabe señalar que Underwood junto a Blackmore hicieron de las suyas anteriormente en la Banda The Outlaws. Al cumplir los 14 años de edad Mick recibe de regalo su primera batería e inmediatamente comienza a tomar lecciones de la mano del legendario Jim Marshall , inventor y fabricante de los famosos Amplificadores Marshall (Blackmore, Pete Townshend y Big Jim Sullivan fueron los principales impulsores para Jim en concretar este nuevo negocio). Tras su paso por Outlaws, Underwood desembarca en la banda The Herd, en donde hace ruido detrás de los tambores junto a un joven guitarrista llamado Peter Frampton. Mientras disfrutaba relajadamente bebiendo en un bar junto a Peter Grant (futuro manager de los Zeppelin), éste le revela que el guitarrista Jimmy Page estaba embarcado en un proyecto para formar una banda la cual se llamaría New Yarbirds. Tiempo después, este nombre sería reemplazado por Led Zeppelin, en ese mismo periodo recibe la invitación de parte de Gloria Bristow , manager de una banda llamada Episode Six para unirse a ella.

Volviendo a la solicitud de su amigo, Underwood inmediatamente le recomienda al cantante de su banda (Episode Six), Ian Gillan (Hounslow, London, UK - Agosto 19, 1945). Con esta valiosa información, Lord y Blackmore asisten a un show de los Episode Six. La presencia de estos dos personajes en el show pone el ambiente tenso entre los miembros de Episode Six, más aún sabiendo que la intención final de los dos Purples era reclutar a su vocalista. Después del show, y tras conversar un buen rato con Gillan, éste les solicita hacer algo para que su compañero, el bajista Roger Glover (Brecon, South Wales, UK - Noviembre 30,1945) fuera con ellos. La petición les venía como anillo al dedo, ya que Simper y Evans eran muy buenos amigos y la despedida de uno causaría la molestia del otro y en definitiva problemas al interior del grupo, situación que a toda costa deseaban evitar. En ese sentido, la partida de los dos era lo más conveniente para el futuro de la banda. Sin embargo, Glover no estaba muy convencido de emprender esta nueva aventura. Sabía que tenían un par de éxitos en America pero en Inglaterra eran prácticamente desconocidos. Además se sentía responsable por el futuro de Episode Six ya que él era su principal compositor. Al manifestar sus dudas, Blackmore sólo atinaba a mirarlo como si él estuviera demente. Le dieron una noche para tomar la decisión que sin lugar a dudas y sin quererlo afectaría directamente el futuro de Deep Purple. Finalmente se une a la banda y da el punto final a Episode Six como banda. Lo que Glover no sabía era que él estaría tres meses a prueba.

De inmediato y sin desprenderse aún de Evans y Simper, la noche del 7 de Junio de 1969 invitan a Gillan y Glover para grabar un sencillo "Alleluyah", el primer registro grabado por la formación Mk II , el cual saldría publicado en Norteamerica junto a la canción "April", canción incluida en el tercer álbum de Deep Purple. Esta producción sería la última encomendada al productor Dereck Lawrence, a quién también se le invita a prescindir de sus servicios en la banda.

Por otra parte, uno de los manager de grupo es el encargado de comunicar a Rod Evans y Nick Simper la salida obligada de estos de la banda, noticia que a Simper lo deja absolutamente perplejo dando paso a una gran molestia. Sin embargo, Evans lo toma con más calma, ya que por ese entonces estaba mas preocupado de volver a EE.UU.. que seguir de vocalista en una banda. Con estos cambios Blackmore toma mayor protagonismo en la dirección musical de la banda ( posición que en los tres anteriores LP's era exclusiva de Jon Lord ), inyectando una química mucho más dinámica al sonido de la misma, en conjunto con los nuevos integrantes. Precisamente esa química era lo que buscaba el guitarrista: dejar de lado las posturas pop para dar lugar a la resonancia pesada del Hard rock. Una aspiración personal que se incrementó mucho más después de oír por ese entonces el recientemente estrenado Lp "Led Zeppelin II" de la banda de su colega Jimmy Page.

Rod Evans viajaría a EE.UU. reapareciendo en 1972 bajo la formación Captain Beyond, junto al guitarrista Larry Rhino Reinhardt y el bajista Lee Dorman, ambos ex-miembros de Iron Butterfly, y tras la batería Bobby Caldwell ex-miembro de la banda de Johnny Winter . Así estos 4 músicos dan forma ese mismo año a su primer trabajo "Captain Beyond", un álbum sencillamente magistral, con un rock progresivo exquisitamente elaborado. Pero por una pobre campaña de difusión por parte de su sello, la banda no logra el reconocimiento merecido. Evans solo permanecería 2 años en esta banda.

Nick Simper formaría la banda Warhorse , con la que editaría dos placas, "Warhorse" de 1970 y "Red Sea" de 1972. Posteriormente forma la banda Fandango , con la que saldrían las placas "SlipTreaming" de 1979 y "Future Times" de 1980 . En 1983 se uniría a la banda de Rosco Gordon, con la que editarían la placa "Rosco Rock Again" de 1983. Forma la banda Quartermass II editando en 1997 la placa "Long Road" para finalmente aparecer como miembro de la banda Wee Willie Harris & the Alabama Slammers editando en el año 2000 la placa "Rag Moppin´".

Deep purple

2007-06-11T19:32:00.000-07:00

A pedido de uno de nuestros lectores tocó aprender un poco de deep purple

Los comienzos: Roundabout

La Banda nace en el proyecto ideado por el cantante y ex-batería de la banda The Searchers Chris Curtis (Oldham, Lancashire, UK - Agosto 26, 1941 - febrero 28, 2005) (su nombre original Christopher Crummey , quién al entrar a The Searchers adopta el nombre "Chris Curtis" principalmente por problemas de pronunciación con su apellido "Crummy" palabra que en la jerga británica se utiliza para referirse a situaciones desagradables). En The Searchers se destaca como el principal compositor de la banda pero lo que dominaba la escena era hacer cover de temas clasicos, por este motivo gozan de cierta popularidad siendo en un corto período rivales directos de los The Beatles en Liverpool, tocando en "la Caverna" sin embargo raramente se le veía a Curtis sociabilizar con miembros de otras bandas, por lo mismo George Harrison lo apodaba "Mad Henry" por su caracter introvertido y a veces erradico.

En la mitad de 1966 Curtis junto a The Searchers emprende una extensa gira junto a The Rolling Stones por Filipinas, Hong kong y Australia , sin embargo una serie de incidentes en el desarrollo del Tour lo convierten en una persona no fiable para la banda, situación que da el punto final a su permanencia en The Searchers, luego de su salida viaja a Suecia y de regreso a Londres graba un single "Agravation" canción original de "Joe South" la cual alcanza la posición 40 de los chart britanicos por 19 semanas seguidas, en esta grabación participan musicos de sesion como Jimmy Page, John Paul Jones y Joe Moretti entre otros, por ese entonces se dedica a componer para otros cantantes y es en ese período que conoce a Tony Edwards quién por aquel entonces era el Manager de la cantante y modelo Ayshea.

En 1967, un año después, se contacta telefonicamente con Edwards, "Tony quiero que seas mi Manager, te enseñaré todo, Brian Epstein a muerto, tu serás el proximo Brian Epstein (Manager de The Beatles)" frente a esa afirmación no me pude resistir, recuerda Edwards. Para financiar la aventura de Curtis, Edwards contacta a un socio, John Coletta y juntos forman Edwards-Coletta HEC Enterprises.

A principios de 1968 Curtis se radica en Londres arrendando un inmueble de baja renta junto a Jon Lord (Leicester, UK - Junio 09,1941) a quién había conocido en una fiesta de Vicki Wickham’s, junto a Lord comienza a proyectar el ensamblaje de su nueva banda la que llamaría Roundabout, cuyo nucleo principal serían él, Lord y algún bajista desconocido, los demás miembros podrían entrar o salir de la banda cuando fuera necesario, para dar un toque mas espectacular arrendaría las Limusinas Daimler, cuyos costos se los recargaba a Edwards, pero el manager no estaba de acuerdo con las excentricidades del baterista, los problemas no paraban allí, Lord también tenia dificultades en relacionarse con Curtis quién se hacía adicto al LSD, por esta situación Lord no se siente muy motivado a seguir en el proyecto priorizando presentaciones junto a su ex-banda The Flowerpot Men, sin embargo Tony Edwards encuentra en Lord una buena oportunidad para seguir con el proyecto original, además el tecladista tenía en mente un guitarrista para Roundabout, el nombre, Ritchie Blackmore (Weston-super-Mare, UK - abril 14,1945) a quién había conocido en Diciembre de 1967, Lord y Blackmore, junto a Boz Burrell (futuro vocalista de "Bad Company",), Chas Hodges en bajo y Ian Paice en batería, formaban la banda llamada "Boz", la que duro solo un par de meses.

Curtis arregla una reunión entre el Manager y Blackmore quien viaja a Londres desde Hamburgo, Alemania junto a su esposa y su pequeño hijo, la reunión entre Edwards, Lord y Blackmore resulta un éxito pero por motivo de las erraticas decisiones y excentricidades ya no había cabida en la banda para Curtis, así el ideólogo de lo que se convertiría en unas de las bandas mas famosas del Hard Rock británico quedaba fuera de su propio proyecto.

2007-05-26T12:16:00.000-07:00

2007-05-26T12:14:00.001-07:00

Discografia

2007-05-26T12:03:00.000-07:00

* Black Sabbath (1970)
* Paranoid (1970)
* Master of reality (1971)
* Vol. 4 (1972)
* Sabbath Bloody Sabbath (1973)
* Sabotage (1975)
* We Sold Our Souls For Rock 'n' Roll (1975)
* Technical Ecstasy (1976)
* Never Say Die! (1978)
* Live at Last (1980)
* Heaven and Hell (1980)
* Mob Rules (1981)
* Live Evil (1982)
* Born Again (1983)
* Seventh Star (1986)
* The Eternal Idol (1987)
* Headless Cross (1989)
* T.Y.R. (1990)
* Dehumanizer (1992)
* Cross Purposes (1994)
* Forbidden (1996)
* Reunion (1998)
* Past Lives (2002)

de aca pueden bajar algunas cosas ;)
http://www.taringa.net/posts/musica/809508/Black-Sabbath-Discografia.html

Ozzy Osbourne

2007-05-12T13:17:00.000-07:00

Bueno, no podemos hablar de black sabath sin hablar de ozzy, eso esta mas que claro, por eso me preocupe por mis lectores (?) y averigue algo de la vida de ozzy para que todos podamos aprender

Biografia de Ozzy Osbourne Ozzy Osbourne, cuyo verdadero nombre es John Michael Osbourne, nacio el 3 de Diciembre de 1948 en Birminghan (Inglaterra), en el seno de una familia obrera. Sus padres, John Thomas y Lillian Osbourne, siempre fue un punto de apoyo en el que apoyarse el joven Ozzy, aun a pesar de los disgustos que este les daria. El matrimonio tuvo 6 hijos mas. De su paso en la escuela, no hay mucho que contar. No fue un estudiante modelo. Simplemente, dejaba pasar las horas. De esa epoca le viene el conocido nombre de Ozzy, puesto por sus compañeros. Tambien en esta epoca conocio al que seria uno de los artifices de Black Sabbath: Tony Iommi, que estudiaba en la misma, aunque era mayor que Ozzy. El joven Iommi disfrutaba pegando y maltratando a su futuro compañero de batallas. Cosa que Ozzy recordaria durante mucho tiempo. La juventud de Ozzy no fue muy distinta de lo normal de cualquier adolescente de la epoca, y mas de un barrio obrero: estaba al tanto de las tendencias musicales de la epoca, y se apropio de la estetica que acompañaba a la musica. Simbolos de individualidad, y afirmacion de la personalidad, tipica en cualquier adolescente. Su grupo favorito ha sido desde siempre The Beatles, al que adora. Tras su paso por la escuela primaria, se puso a trabajar, y tambien inicio una pequeña carrera como delincuente, que le llevaria a la carcel. Pero, por duro que pueda parecer, este tiempo entre rejas le hizo encauzar su vida. Decidio que lo que le gustaba era cantar, y tras su paso por la carcel, se alisto en los diferentes grupos que pululaban por la epoca. En uno de esos periplos, conoceria a sus futuros compañeros de Black Sabbath. Referente a la otra faceta de su personalidad, su vida privada, Ozzy ha sido siempre, como el mismo reconoce con mucho humor, el mayor consumidor de todo tipo de drogas: alcohol, cocaina, pastillas... Esta carrera meteorica hacia la destruccion, crecio a la vez que Black Sabbath se encumbraba hacia el exito, y continuo aun durante mucho tiempo en su carrera en solitario. Actualmente, parece ser que ya esta libre de ellas, pero hablando del Principe de la Oscuridad, del hombre que en pleno escenario le arranco la cabeza a un murcielago (aunque eso si, sin saber que era verdadero), que una de sus muchas bromas fue el esnifar hormigas, que le arranco en plena reunion de magnates y empresarios la cabeza de cuajo a una paloma de un mordisco, que ha cometido toda clase de excesos, es muy dificil, verdaderamente, asegurar nada. En 1971 se caso con Thelma Mayfair, que aguanto lo que pudo las locuras de Ozzy. Ademas, Ozzy adopto al hijo que tuvo Thelma de una relacion anterior, Elliot Kingsley. En 1975 nacio el primer hijo de ambos, Louis Jon Osbourne. Las giras continuadas del cantante con Black Sabbath, sus locuras y excesos, fueron demasiado para su mujer, que se divorcio del showman. Su siguiente boda fue con Sharon Arden, mas conocida como Sharon Osbourne, su actual mujer, que es a la vez su manager. La boda se celebro en Hawai, el 4 de Julio de 1982. Sharon conocio a Ozzy tras la retirada de este de Black Sabbath, sumido en un pesimismo continuo, sin saber que hacer con su carrera, y dedicado solamente a consumir drogas. Sharon fue la tabla de salvacion de Ozzy, y es de logica preguntarse que hubiera pasado con el showman de no haberse encontrado con ella. Ella fue la que le animo, le dio a conocer lo que valia como cantante y persona, y le ayudo de nuevo a volver a los escenarios. Todo eso via desintoxicacion del pobre Ozzy, que con esfuerzo, lo consiguio, aunque con recaidas. Pero aunque parezca que todo marchaba a la perfeccion, no fue asi. Las peleas conyugales de la pareja eran antologicas, peleas salvajes como pocas. El suceso mas desagradable, y peligroso, se vivio tras uno de los conciertos del showman, en el Moscow Music Peace Festival, celebrado en la antigua URSS. Ozzy, tras concluir el concierto, y lleno de vodka, intento estrangular a su mujer. Lo siguiente fue una peticion de divorcio de Sharon, y un arrepentimiento sincero de Ozzy. Y Sharon, enamoradisima de su Ozzy, no pudo negarse. Desde entonces, forman una de las mas estable parejas que se conocen en el mundillo del metal. Sharon, una verdadera maestra en los negocios, ha encumbrado la carrera de su marido hasta limites que ni el mismo Ozzy seguramente podia haber imaginado: el Ozzfest, macro festival dedicado a las nuevas tendencias, y cuyo cierre de cartel siempre es Ozzy, y que ha llevado la figura del Prince Of Darkness a los espectadores mas jovenes. En uno de estos carteles, se consiguio la añorada y deseada reunion de los originarios Black Sabbath. Cosa que ha seguido en los años siguientes mas o menos continuado. El ultimo exito de Ozzy, y por extension de su mujer, son "The Osbournes", serial emitido por la MTV, donde se pueden seguir las peripecias de la vida familiar de Ozzy, en toda su salsa. Ozzy, Sharon, sus dos hijos, Kelly Osbourne y Jack Osbourne (la hija mayor, Aimee, rechazo participar en la serie), y toda las clases de gente tan variopinta que inundan la casa familiar, han llevado a esta serie a convertirse en una de las de maxima audiencia de la cadena. Por lo que se ve, tenemos Ozzy para muchos, muchos años...

The Dio Years

2007-05-12T09:24:00.000-07:00

Black Sabbath tiene nuevo disco y aca tenemos algo sobre el...

"...Este “The Dio Years”, obviamente se centra en la etapa que el magnífico cantante pasó en la banda, incluyendo cinco temas de “Heaven And Hell”, cuatro pertenecientes a “Mob Rules”, tres extraídos de “Dehumanizer” y tres temas nuevos ..." Review realizada por: Antonio Cerezuela

En medio de todo el revuelo armado por la actual encarnación de BLACK SABBATH conocida como HEAVEN AND HELL, tenía que haber nuevo material para vender, no todo iban a ser entradas para conciertos. La compañía americana Rhino han sido los afortunados, no solo por editar tan preciada recopilación, también y sobre todo, por haber conseguido incluir en ella tres temas totalmente nuevos compuestos por Tony Iommi y Ronnie James Dio para la ocasión; como digo todo un honor.

Este “The Dio Years”, obviamente se centra en la etapa que el magnífico cantante pasó en la banda, incluyendo cinco temas de “Heaven And Hell”, cuatro pertenecientes a “Mob Rules”, tres extraídos de “Dehumanizer” y tres temas nuevos.

De la celebrada obra editada por el grupo en el año 80, no faltan por supuesto “Neon Knights” y “Heaven And Hell”, pero no se han olvidado de “Lady Evil” ni del apabullante “Die Young”, un auténtico temazo. No entiendo la incursión de “Lonely Is The Word”, hubiera preferido escuchar “Wishing Well” o el excelente “Country Girl” de “Mob Rules”, que también se ha quedado fuera.

De ese citado “Mob Rules” podemos deleitarnos con el potente tema título, la apertura “Turn Up The Night”, el clásico “Voodoo”, y sobre todo con uno de los aciertos totales de la recopilación, la épica “Falling Off The Edge Of The World”, uno de los mejores temas de Dio junto a BLACK SABBATH. El sentimiento y la suavidad del principio, marcan un contraste perfecto con la furia y la potencia que va desarrollando el tema a medida que va creciendo hasta terminar en un final apoteósico coronado por un gran solo de Iommi. Tengo que quitarme el sombrero ante creaciones de esta magnitud.

Como el objetivo del lanzamiento era repasar la discografía de Dio junto a la mítica banda de Birmingham, no podía quedarse “Dehumanizer” en el tintero, un disco que años antes se anticipó al aluvión de reuniones que sufrimos en estos tiempos.

Nunca me gustó “Dehumanizer”, me parece un disco pesado y aburrido, solo “I”, el cañero “TV Crimes”, “Time Machine” y “Master Of Insanity” son momentos dignos de mención. Lamentablemente, solo encontramos en este álbum las dos primeras, representación de “Dehumanizer” que se completa con la soporífera “After All (The Dead)”.

La parte recopilatoria del disco acaba con otra elección totalmente acertada, la incursión de “Children Of The Sea” (hubiera sido un flagrante error obviarla entre los temas de “Heaven And Hell”), pero una versión distinta que marca la diferencia. Dejando de lado la versión original grabada para “Heaven And Hell”, han preferido meter aquí la que la banda registró en directo para ese mítico “Live Evil”. Una grabación en la que el tema gana en magnificencia por todos los lados, sobre todo en la voz de Dio, quien se explaya en la última estrofa y en la parte final de la canción como solo él sabe hacerlo (el disco habría ganado más puntos si también hubieran elegido “Voodoo” en directo).

Una vez resumida la recopilación, solo queda hablar de lo verdaderamente interesante, esos temas nuevos que han grabado estos dos ilustres músicos. Para comenzar, diré que no es oro todo lo que reluce, así que me veo obligado a decir que no vamos a encontrar nada equiparable a los temas que he mencionado arriba.

Como no podía ser menos, los temas son cercanos a “Dehumanizer”, machacones, pesados, densos y sobre todo, aburridos, especialmente los dos primeros.

“The Devil Cried” tiene un riff muy genuino y llamativo, pero es un tema sin personalidad, Dio ha hecho esto en sus discos en solitario muchas veces obteniendo el mismo resultado negativo (escuchad “Lock Up The Wolves”, “Strange Highways” o “Angry Machines”), e incluso ya lo hizo con BLACK SABBATH en el 92 consiguiendo la misma recompensa. El estribillo tampoco dice nada, es como si no existiera ningún estribillo, no hay nada en el tema que te llame la atención, hasta la voz de Dio suena monótona.

“Shadow Of The Wind” sigue la misma tónica que “The Devil Cried”; aunque tiene más dinámica en el riff, el tema no es fluido, se hace largo y cuesta escucharlo. El estribillo es más melódico, el cambio que hay a la salida del solo esta muy logrado y los coros están bien trabajados, pero tampoco conecta. Cuando tu curiosidad ha sido satisfecha se te olvida la canción.

Ya solo queda “Ear In The Wall”, sin duda el mejor tema de los tres con diferencia. Supongo que el hecho de escucharlo después de los otros dos somníferos le hace jugar con cierta ventaja, pero está claro que es la única canción de las tres en la que la esencia de BLACK SABBATH con DIO vuelve a estar presente como antaño.

El tema tiene velocidad, dinámica, sentimiento, empuje, ataque, un estribillo, todo lo que los otros no tienen. También se nota el regusto añejo, un tema hecho sin complejos y sin miedo a las comparaciones con el pasado, algo que creo que ata muy corto a Iommi (últimamente ligeramente obsesionado con ceñirse al patrón setentero de BLACK SABBATH cada vez que compone material nuevo).

No se como sonaría un nuevo disco de BLACK SABBATH con Dio al frente, si decidieran dejarse llevar y hacer temas como “Ear In The Wall” podría ser una obra maestra, aunque seguro que preferirían seguir bajo la sombra de Ozzy y hacer un disco enraizado en los 70. No estoy arremetiendo contra la etapa de Ozzy, pero creo que la grandeza de la etapa de Dio en BLACK SABBATH radica en que es totalmente distinta a la de Ozzy, y esas intentonas de seguir sonando como si estuviera Ozzy pero sin él, no les llevan a buen puerto, no les llevó en “Dehumanizer”, y no creo que lo haga ahora.

Track list:

Neon Knights
Lady Evil
Heaven And Hell
Die Young
Lonely Is The Word
The Mob Rules
Turn Up The Night
Voodoo
Falling Off The Edge
Of The World
After All (The Dead)
TvCrimes
I
Children Of The Sea (Live)
The Devil Cried
Shadow Of The Wind
Ear In The Wall

Black Sabbath

2007-05-10T11:42:00.000-07:00

Como segunda banda vamos a aprender un poco de Black Sabbath

Cimentados en el blues-rock e influenciados por grupos como Cream, Jimi Hendrix Experience o Blue Cheer, la banda británica Black Sabbath es uno de los nombres fundamentales en la configuración del heavy metal, con su aceración sónica, iteración en sus esencias rítmicas y basamento temático en universos tétricos y místico-satánicos.
Surgidos en 1967 en la ciudad inglesa de Birmingham, John Michael "Ozzy" Osbourne (nacido el 3 de diciembre de 1948), el guitarrista Tony Iommi (nacido el 19 de febrero de 1948), el bajista y letrista Terry "Geezer" Butler (nacido el 17 de julio de 1949) y el batería Bill Ward (nacido el 5 de mayo de 1948) comenzaron su andadura musical bajo el nombre inicial de Polka Tulk, rebautizándose poco tiempo después como Earth, apelativo con el que patearon un buen número de locales en su país y en el continente, interpretando sus primeras muestras ubicadas en patrones clásicos del blues-rock.
En 1969, para evitar problemas legales con otra formación del mismo nombre y por indicación de su representante Jim Simpson, Earth se convirtió en Black Sabbath, un nombre que ejemplificaba a la perfección su acercamiento a materias imbuidas de magia, fantasía y ocultismo.

La génesis de este nuevo apelativo tiene diversos orígenes según varias fuentes, derivado de un título dado en Inglaterra a la película de terror de Mario Bava "Las tres caras del miedo" (1963) o emanado de la canción homónima escrita por Geezer Butler.
Firmaron con Fontana y grabaron el sencillo "Evil Woman/Wicked World", que pasaría desapercibido para el gran público, todo lo contrario que su Lp debut, producido por Rodger Bain. "Black Sabbath" (1970) mostraba desde su lúgubre portada el soporte temático de su pétrea y atmosférica sonoridad, que nos regalaba piezas maestras como "The Wizard","N.I.B." o el título homónimo.

El disco tuvo una excelente acogida comercial a pesar de las malas críticas recibidas, llegando al puesto número 8 en listas británicas.
"Paranoid" (1971), su segundo album, alcanzaría directamente el número 1, gracias a soberbios temas como "Iron Man", "War Pigs" o el propio "Paranoid". Se trata de uno de sus mejores discos de la banda y un Lp clave en el desarrollo del heavy metal, al igual que "Master of reality" (1971), ambos caracterizados por los fornidos riffs de Iommi, la aviesa vocalidad de Ozzy y la vinculación oscurantista de Butler en sus trabajos líricos con los textos de Dennis Wheatley.

"Master of reality", Lp de mayor diversidad sonora que contenía canciones como "Sweet Leaf", "Children of the Grave" o "Into the void", no logró subir a lo más alto de las listas comerciales como su predecesor, pero proseguiría cosechando excelentes ventas, alcanzando el puesto número 4.
En "Vol. 4" (1972) intentaron ensanchar su sonoridad, inclinándose hacia unas tendencias cercanas al rock-progresivo, incluyendo temas importantes de la banda como "Changes", "Supernaut", "Wheels of confution" o "Snow Blind".
Con "Sabbath Bloddy Sabbath" (1973) el grupo, ahora representado por Patrick Meeham y en pleitos legales con Simpson, consiguió otro éxito gracias a la canción que da título al disco .

Los litigios con su primer manager provocaron una ausencia temporal de los estudios de grabación de dos años, regresando con la representación de Don Arden y el disco "Sabotage" (1975), album que mostró a Black Sabbath procurando propagar su oferta heavy con retazos progresivos, construyendo uno de sus trabajos más recordados, a pesar de la controversia que provocó entre sus seguidores.
La publicación de un recopilatorio y los Lps "Technical Ecstasy" (1977) y "Never say die" (1978), discos menos satisfactorios que sus primeras obras, incitaron la marcha de su carismático cantante Ozzy Osbourne, quien emprendería una irregular carrera en solitario que incluía la representación de su esposa Sharon.
Su trabajo debut sería el estupendo "Blizzard of Ozz" (1980). Su reemplazo antes de grabar "Heaven and hell" sería Ronnie James Dio (ex miembro de Elf y Rainbow).
"Heaven and hell" (1980), un disco producido por Martin Birch, revitalizaría la música de la banda gracias a temas como "Neon Knights", "Lonely is the word", y por supuesto, "Heaven and hell". La llegada de Dio pareció insuflar a Black Sabbath nuevo brío y energía, pero su segundo Lp con el grupo y primero con el nuevo batería Vinnie Apice, "Mob Rules" (1981), supuso un decepción para los incondicionales de la banda.
La formación de Black Sabbath se vio inmersa a partir de ese momento en un continuo ir y venir de miembros. Los primeros en marcharse fueron los últimos en llegar, Dio y Apice dejarían su sitio a Ian Gillan y a Bill Ward, que retornó para grabar "Born Again" (1983), un flojo trabajo que provocó de nuevo la salida de varios de sus componentes, permaneciendo únicamente como miembro original el guitarrista Tony Iommi.
Gente como Glenn Hughes, Tony Martin, Bev Bevan, Eric Singer, Dave Spitz, Geoff Nichols, Cozy Powell, Terry Chimes o Bobby Rondinelli ingresaron en la formación a lo largo de la década de los 80 y 90, dejando en el currículum de Black Sabbath irregulares discos en los que se banalizaba su sonido metalero, destacando discos como "The eternal idol" (1987) o "Headless Cross" (1989).
Reuniones recientes y giras mundiales son puntos de encuentro para la enorme cantidad de seguidores y admiradores de este grupo histórico, esencial y legendario.

Malcolm Young

2007-04-28T12:51:00.000-07:00

Biography
His younger lead guitar-playing brother Angus may be the main attraction of AC/DC in concert, but rhythm guitarist Malcolm Young is the band's musical anchor. Born on January 6, 1953, in Glasgow, Scotland, Malcolm and his family relocated to Sydney, Australia, when he was ten-years-old. Inspired by his older brother, George, who hit it big as a member of the Easybeats (scoring a worldwide smash with "Friday on My Mind"), young Malcolm began playing guitar in local bands, one being the Velvet Underground (not the same V.U. as the one fronted by Lou Reed). By 1973, Malcolm decided to join forces with younger brother Angus, and after they lent their talents to an obscure recording (Marcus Hook Roll Band Tales of Old Granddaddy), the duo formed AC/DC. Although they went through numerous lineup changes, by the time the lineup consisted of singer Bon Scott, drummer Phil Rudd, and bassist Mark Evans in 1974, the band had already carved their niche (straight-ahead, unglamorous rock & roll) and were signed. The band became a must-see live attraction due to Angus' wildman persona, but Malcolm created quite an imposing figure on-stage -- standing stoically while bashing out Chuck Berry-esque riffs on his battered Gretsch Jet Firebird guitar. AC/DC's brand of tough barroom boogie created quite a stir with both metalheads and fans of just good ol' rock & roll who were sick of prog rock and disco -- issuing a string of classic albums in the process -- 1976's High Voltage and Dirty Deeds Done Dirt Cheap, 1977's Let There Be Rock, 1978's Powerage and If You Want Blood, and 1979's Highway to Hell. With massive breakthrough success just around the corner, the band was dealt a devastating blow when Scott died from alcohol poisoning in early 1980, but AC/DC regrouped with new singer Brian Johnson, and returned stronger than ever with one of rock's all-time classics (and best-sellers), Back in Black. The quintet spent the rest of the decade churning out albums and touring the world, but shortly after the release of their 1988 album, Blow Up Your Video, Malcolm realized that a lifelong alcohol addiction had spiraled dangerously out of control. Not wanting to follow in the footsteps of Scott, Young took a leave of absence from the band, and sorted out his personal problems once and for all (his nephew, Stevie Young, filled in for Malcolm during the band's world tour that year). When he returned, AC/DC picked up just where they left off, releasing one of their most commercially successful albums yet, 1990's The Razor's Edge, and continuing their album-tour routine for the remainder of the decade and beyond. Malcolm Young's sturdy rhythm guitar style has influenced a legion of hard rock players over the years, namely Metallica's James Hetfield and Guns N' Roses' Izzy Stradlin. ~ Greg Prato, All Music Guide

Brian Johnson

2007-04-23T12:28:00.000-07:00

Brian Johnson nació el 5 de octubre de 1947 en Newcastle (Inglaterra), vocalista de AC/DC. Geordie era la banda en la que estaba antes de entrar en AC/DC. Su primer álbum como vocalista de AC/DC fue Back In Black.

La leyenda nos indica que es un gran consumidor de cerveza y que sus mayores influencias son Joe Cake y Ray Charles. Es muy conocida su afición a las carreras de coches. En más de una ocasión ha disputado alguna carrera con su bólido.

The mighty Angus Young

2007-04-06T13:02:00.000-07:00

Bueno, les dejo un articulo con entrevista a Angus, esta en inlges pero ta, espero les guste.

Interview and photos by Lisa Sharken

Angus Young is perhaps one of the world’s most underrated guitarists whose style is frequently imitated, but never duplicated. Since 1973, Young has been bludgeoning an SG as the lead guitarist with legendary rockers AC/DC. Catchy blues-influenced riffs played with a crushing guitar tone and blistering lead hooks are what make the group’s sound so easily identifiable. On the group’s recent release, Stiff Upper Lip (Elektra/Asylum), Young carries on in the brutal and ballsy AC/DC tradition that has driven the group since its early days.

To honor Young’s loyalty to the SG model, Gibson recently introduced the Angus Young Signature SG, a faithful reproduction of the artist’s original trademark axe. Designed and manufactured to Angus' exacting specifications, this new SG features an engraved lyre vibrola, an Angus Signature treble pickup along with a ’57 Classic rhythm pickup, a "Devil" peghead decal and comes with a special Angus Young Signature SG hardshell case.

In a recent interview, Young discussed AC/DC’s music and how the SG has always been an important part of its sound, both live and in the studio. Young also offers some tips on how he achieves his massive tone and keeps the show pumping.

Has the AC/DC sound changed much since its early days with Bon Scott to the rebirth of the band with Brian Johnson? What’s different about it now and what’s remained the same?

The style of the music is still the same. We still play hard rock or rock and roll music. That’s what we started with and we still play it now. We just try to find new ways of presenting it, and for us, that’s always a challenge - to come up with a new idea, turn it into AC/DC and still retain that style. We’ve recorded a lot of material over the years and, in a way, you have to be your own editor. We look at it all, but we don’t let every one of the songs we write go out there. We try to pick the best of what we’ve got.

As a player, how do you feel that your own style and technique have evolved?

I try to find new ways of playing things and I’ve always had a thing where I don’t put a guitar lick into something just for the sake of putting a guitar lick into something. I like everything to have a groove and go with the track and besides that, you do like it to shine out, too, so it doesn’t come across as just being in there as filler.

Do you frequently change the ways that you approach some of the material when you play it live, as opposed to playing exactly what was on the original recording?

Sure. We’ve got a few tracks that we sort of leave room for spontaneity and the way we play them could change over the years. You might add a little bit here and there, and when you get onstage you may play a different riff than usual. You might play with the audience have and them join in with you. Some nights you might change it around and do something completely different. I think it keeps things exciting for the band and for the people who have come out and seen us on tour. The fans get a big kick out of hearing something different.

You’ve always been a minimalist in your choices of gear and have always gone with the traditional "guitar into an amp" route. Has your rig changed much over the years?

No, I always keep it simple. I think when you get onstage and you’re playing rock and roll, the big lesson is this: If you’ve got too many toys up there, then there’s too many things that can go wrong.

When did you first start playing SGs?

I think it was the first real guitar I ever had and I guess I’ve been using it since then.

What year or model was your first SG?

It was a ’68. I still have it and play it, too.

What is it about the SG that makes it special to you?

I always wanted an SG as a kid. I had a friend from San Francisco who went to school with me in Sydney. He had a Gibson guitar catalog and when I looked through it and saw the SG, I said, “That’s my guitar!” I always liked the shape of it and when I got a hold of my first one, I was in love with it. I’ve always thought it was a great guitar. The shape of the SG has the little horns, it’s red and it’s a little devilish. With the double-cutaway you don’t have to reach around, so it’s easier to play higher up on the neck, and it’s also lightweight. Of course, I like the sound of it, too. I tried a Les Paul once, but I’m a little guy and the SG just felt more balanced for me. The SG has just always been the right guitar for me.

Have you ever played any guitars besides the SG, either live or on a recording? Have you ever used a Strat or a Tele?

I’ve played other guitars, but not on a recording or live, except as a spare. When my brother and I were younger and we were gigging, I had my SG and Malcolm had his Gretsch. We had one spare guitar that we shared and that was a Telecaster that belonged to Malcolm. We put a humbucking pickup on it in the neck position. If I broke a string, I could use it and kick on the humbucker. If he broke a string, he could kick on the Fender pickup in the bridge position. That was about the only other guitar we ever played on stage.

Do you prefer to keep the stock pickups in your guitars?

Yes. I usually like to leave a guitar alone because those pickups are part of the character of it. If I bought a guitar that had an old battered-up pickup in it and that’s what gave it that particular sound quality, then I’ll leave it. Sometimes you get those freaky accidents that make things sound different.

What gauge strings and picks do you prefer?

I use .009-.042 gauge strings and for picks, sometimes my fingernails, but I usually use extra heavy gauge picks in the regular shape. Some of those old Fender extra heavy picks used to last me for years.

What are your typical live amp settings?

In your part of the world, a lot of venues are built with the same sort of design, so the sound doesn’t change all that much from night to night. But the amp settings will vary a bit in different venues. We do a little bit of juggling before we go out on tour and just try to get things as consistent as possible. I’ll take four 100-watt amps (Marshall or Wizard) and try them out individually. I’ll get a couple together and go through them to try to line up four that are pretty much the same in terms of tone and character. Then I just crank up a little bit of bass and put a little bit of middle in. If it’s too bassy, I’ll cut it back. Usually, all the controls are set about halfway, never full up. A lot of people think it sounds best when you drive the amps to death, but I never do it that way. I think that when you turn things up too much, the sound sort of goes a bit mushy.

Your tone is actually much cleaner than many people think.

It is. The amp is set very clean. A lot of people who have picked up my guitar and tried it through my amp have been shocked at how clean it is. They think it’s a very small sound when they play it and wonder how it sounds so much bigger when I’m playing. I just like enough gain so that it will still cut when you hit a lead lick without getting that sort of false Tonebender-type sound. I like to get a natural sustain from the guitar and amp.

Do you ever use a boost pedal for leads?

No. The only boost between the guitar and amp is me!

What do you use as your typical studio rig?

I take in a 100-watt top, a Marshall JTM45, and two 4x12 cabinets. Sometimes I’ll use the double cabinets or just a single 4x12. It usually depends on what I’m doing. If I’m doing rhythm work with my brother, then I’ll use the twin cabinets. But if it’s a guitar lick that I’m recording, then I might use the JTM45 and just one cabinet.

When you’re working in the studio, do you like to record when standing in the same room as your amp?

It just depends on the nature of the room. If you’ve got a great-sounding live room and everyone’s in the same room - especially the drums and the guitars - then I think you’ll really cook because there’s more of a feeling of camaraderie. It makes for much more of a live feel. If you’re in the control room or separated, sometimes you can be a little bit cut off. We’ve done it different ways, but a lot of it is still down to the room itself. If you’ve got a great-sounding live room, you can get lucky.

What differs most about the way that you approach playing in the studio and a live gig?

In both situations, I’ve always found that it works to put your best foot forward and don’t be afraid. I suppose it’s a bit like swimming. You can’t just dip your little toe in the water. You’ve got to go all the way. I believe you’ve got nothing to fear, although a lot of people think that’s strange. If you hit a bum note, that was fate. Some of those bum notes might be a great accident. I think that if you’re too tight and restricted, then those sort of little spontaneous things just seem to give it that little bit of magic, they won’t happen. Every now and again, we all hit a bum note. The ideal situation is just to hit less of them! I think that it just takes a bit of confidence when you’re doing something. I’ve never been afraid. I guess I’m lucky for having grown up in a family of musicians. I think that gave me a lot of confidence about my playing and made it easier for me to be comfortable in any musical situation.

Do you do much home recording when you’re writing or doing pre-production for your records?

Oh, sure. We do a lot of on-the-road stuff, too. I get ideas from being on the road and I might write down pieces of a lyric, a title of a song, or just ideas or riffs, and tunes I want to remember. I don’t think there’s a set pattern for writing. If we’re on the bus, I might knock down a couple of things on a cassette. I think that in a lot of our best stuff, there’s a combination of things we might do on the road and things we might do at home. You just can play editor and see which elements can come together and then piece things together.

Which environment works best for you to write songs?

I don’t think there is an ideal environment. We’ve written songs under a hell of a lot of pressure, but then some songs just come when suddenly and spontaneously, like when you’re not thinking and you’re in the middle of a cab ride. We’ve even written songs on stage. But that’s the key, I suppose, never knowing when to expect it.

What advice would you give to another player on keeping the show going when playing live?

Once you’re on the stage you can’t go back, even when things go wrong, people expect you to stay on there and entertain them. When all else fails, you’ve got to try tap dancing.

Discografía

2007-04-05T17:24:00.000-07:00

* 1974 High Voltage (Versión australiana)
* 1975 T.N.T. (Versión australiana)
* 1976 High Voltage
* 1976 Dirty Deeds Done Dirt Cheap
* 1977 Let There Be Rock
* 1978 Powerage
* 1978 If You Want Blood You've Got It
* 1979 Highway to Hell
* 1980 Back In Black
* 1981 For Those About to Rock We Salute You
* 1983 Flick of the Switch
* 1984 Jailbreak

* 1985 Fly on the Wall
* 1986 Who Made Who
* 1988 Blow Up Your Video
* 1990 The Razor's Edge
* 1992 Live!
* 1992 Live! Two CD Collector's Edition
* 1995 Ballbreaker
* 1997 Volts
* 1997 Live from the Atlantic Studios
* 1997 Let There be Rock: The Movie, Live in Paris
* 2000 Stiff Upper Lip
* 2005 Dualdisc de Back in Black y el DVD Family Jewels

Historia

2007-04-05T17:13:00.000-07:00

Aunque en la época inicial, la banda tuvo a Dave Evans como el cantante, sus fanáticos tienden a dividir la historia de AC/DC en dos etapas: la de Bon Scott (1974-1979) y la de Brian Johnson (1980-actualidad). Algunos fans tienen una preferencia, otros valoran por igual los méritos de ambos cantantes.

La etapa con Bon Scott

El núcleo de la banda se formó básicamente por los hermanos Young, dos jóvenes australianos de origen escocés que decidieron crear una banda de rock and roll. Gracias a su hermano mayor George Young, que alcanzó la fama con su grupo pop The Easybeats en los 60', Malcolm y Angus pudieron introducirse en la música. Después de que desapareciera su grupo The Velvet Underground (nada que ver con Lou Reed), Malcolm formó en 1973 AC/DC en Sydney. Margaret, la hermana de Angus, le sugirió a éste el nombre de la banda, AC/DC, que vio escrito en el enchufe de su maquina de coser (corriente alterna / corriente continua). En una de sus etapas de esplendor, corrieron rumores que el nombre de la banda no se refería a la corriente, sino que contenía mensajes satánicos (Anti Cristo / Muerte a Cristo) los mismos integrantes de la banda desmintieron lo dicho.

Tras diversas variaciones en la batería y el bajo de la banda, la formación quedó formada por Angus y Malcolm Young en guitarras líder y rítmicas respectivamente, Mark Evans en bajo, Phil Rudd en batería y Bon Scott a la voz (reemplazando a Dave Evans). Scott había formado parte de otros grupos de distintos estilos, como Fraternity, The Spektors y The Valentines. Más importante, ayudó a fomentar la imagen violenta del grupo. Tenía varios delitos menores y fue rechazado del ejército por estar desadaptado socialmente. Y AC/DC estaba desadaptada socialmente. Durante su carrera combinaron la agresividad y la imaginería violenta, todo ello salpicado de un peculiar sentido del humor.

Sus primeros dos singles fueron: "Rockin in the Parlour" y " Can I sit next to you, girl" que lo hicieron con el cantante Dave Evans, luego despidieron a Dave Evans y AC/DC apareció en un programa televisivo local de australia cantando con su chofer Bon Scott. El grupo realizó en Australia dos discos: High voltage (1975) y Dirty Deeds Done Dirt Cheap(1976). El material de ambos discos sirvió para elaborar el High Voltage en Estados Unidos y en otoño de 1977 AC/DC lanzó Let There Be Rock. Al año siguiente se incorporó Cliff Williams con Powerage (1978). Todos estos álbumes fueron producidos por Vanda y George Young. El ambiente de sus conciertos fue captado en "If you want blood, you've got it". AC/DC se fue de gira con artistas como Alice Cooper, Rush, Aerosmith, Ted Nugent, Boston, Black Sabbath, Cheap Trick, Heart, Scorpions, Molly Hatchet, Ronnie Montrose, Nazareth, UFO, Journey, Foreigner, Van Halen, Styx, Blue Öyster Cult, Alvin Lee, Rainbow, Savoy Brown, REO Speedwagon, The Doobie Brothers, Thin Lizzy y The Who.

Lo que realmente les abrió las puertas del éxito fue Highway to Hell (1979), producido por Mutt Lange, para muchos el mejor álbum de los australianos y que alcanzó el puesto 17º en las listas americanas y el 8º en las británicas, convirtiéndose en su primer trabajo en conseguir un millón de copias vendidas. Este álbum figura en la lista de los 200 álbumes indispensables elaborada por la revista Rolling Stone. El tema principal del LP, la canción "Highway to Hell", se acabaría convirtiendo para muchos en todo un himno del Rock and Roll de finales de los '70.

Cuando todo parecía ir muy bien (AC/DC tenían éxito en ventas en Europa y los Estados Unidos) la desgracia cayó sobre el grupo una noche londinense, 19 de febrero de 1980, en que perdieron a su vocalista. La causa de la defunción de Scott fue de ahogamiento en su propio vómito al quedarse dormido en su auto en el garage de su casa a consecuencia de una intoxicación etílica.

La etapa con Brian Johnson

Tras la muerte de Bon Scott la banda se plantea su continuidad pero finalmente reclutaron a Brian Johnson. El inglés provenía de la popular banda británica Geordie y se dice que era el vocalista preferido de Scott. Johnson se encontraba sin grupo y meditaba si continuar en el mundo musical.

Sin embargo, el reto y entró con el resto de compañeros a grabar lo que sería uno de los grandes discos de los años 1980: "Back In Black", disco dedicado a Bon Scott y también bajo la producción de Mutt Lange. Las cifras alcanzadas por este álbum son notables: en Estados Unidos, encabezó la lista de ventas durante 5 semanas, manteniéndose durante otras 20 en el Top 10, y estando en total 131 en el Top 40. Transcurrido un año, había rebasado los 5 millones de ventas en este país, y hasta la fecha la RIAA certifica 22 álbumes de platino para Back in Black, lo que se traduce en más de 22 millones de copias vendidas en EEUU. A nivel mundial, las ventas de este LP se estiman superiores a los 40 millones de copias. Por todo ello figura en la segunda posición de la lista de los LPs más vendidos de la historia.

El éxito del Back in Black disparó las ventas de todos sus álbumes anteriores, desatando una "fiebre" por AC/DC. Aprovechando el boom, el disco "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" fue relanzado en marzo de 1981 en EEUU (donde no había sido publicado en 1976, como se hizo en Australia y Gran Bretaña), permaneciendo 55 semanas en la lista de los 40 más vendidos, y obteniendo en 2001 su sexto disco de platino. Asimismo, todos los álbumes anteriores de la banda habían superado el millón de copias en julio del mismo año. En noviembre de 1981, salió a la calle For Those About To Rock: We Salute You, que sacaría a relucir el éxito con el mismo nombre, este fue producido al igual que los dos álbumes anteriores por Mutt Langue. Recibió una buena acogida entre los fans, pero no así entre la crítica. Obtuvo también buenas cifras de ventas, con 1 millón de copias vendidas en su primera semana, y en 2001 confirmó su cuarto álbum de platino en EEUU.

En mayo de 1983, Phil Rudd (batería) fue sustituido por Simon Wright. Los motivos por los que Phil dejó AC/DC no se aclararon del todo, rumoreándose que había tenido una pelea con Malcolm a causa de sus problemas con el alcohol. Tras este relevo, en agosto vería la luz un nuevo LP: "Flick of the Switch". Sería el primer disco producido por Angus y Malcolm. Este álbum hizo decaer el status comercial del grupo de manera muy notable. En octubre de 1984 editarían "'74 Jailbreak" un mini-LP con varias canciones inéditas y que conmemoraba los 10 años de existencia de la banda. En junio de 1985 aparece "Fly On the Wall" , considerado por algunos como el peor disco de AC/DC, también producido por los hermanos Young.

En mayo de 1986 se publica "Who Made Who", primer recopilatorio de AC/DC especialmente realizado para la película de Stephen King "Maximum Overdrive", y que obtuvo unas ventas razonablemente buenas. En enero de 1988 volverían a la carga con "Blow Up Your Video", producido por Vanda y George Young. El disco no obtuvo el éxito de principios de los 80. Durante el tour de 1988, por causas personales, Malcolm Young es sustituido por su sobrino Stevie Young (Stevie solo sustituiría a Malcolm durante la gira americana). En noviembre de 1989 Simon Wright abandona el grupo para incorporarse a Dio y es sustituido por Chrish Slade.

Con The Razor's Edge (1990), producido por Bruce Fairbairn volvieron, casi 10 años después, a todo lo alto de las listas de ventas (77 semanas en la lista de los 40 de EEUU y 5 millones de copias vendidas hasta la actualidad) lanzandos por el éxito "Thunderstruck".
Angus Young y Campino, cantante de la banda de punk rock Die Toten Hosen, en 2001.
Angus Young y Campino, cantante de la banda de punk rock Die Toten Hosen, en 2001.

En 1993 lanzan el single "Big Gun" para la banda sonora de la película El Último Gran Héroe (Last Action Hero), protagonizada por Arnold Schwarzenegger, quién también saldría en el videoclip.

En verano de 1994 vuelve Phil Rudd a la batería, luego de que la banda y el tuvieron un reencuentro después de un concierto, Malcolm pudo perdonar a Phil y le pidio que volviera, así en otoño de 1995 lanzaron Ballbreaker, producido por Rick Rubin, entró en las listas en el número 4 y vendió un millón de copias en los primeros seis meses con su single "Hard As a Rock". "Stiff Upper Lip" le siguió a principios de 2000, álbum con el que volvieron a los sonidos que más les influenciaron durante su juventud. Actualmente están a punto de publicar un nuevo álbum de estudio.

Desde el 22 de marzo del 2000, AC/DC tiene una calle en Leganés (Madrid) llamada "Calle de AC/DC", a cuya inauguración asistieron Malcolm y Angus con gran expectación de público y fans. El mismo día de la inauguración la placa fue robada y repuesta a las dos horas. Tres días después fue de nuevo robada y actualmente es incontable el número de veces que ha sido sustraída. Ante esta situación el Ayuntamiento de Leganés decidió sacar a la venta dichas placas para satisfacer las ansias de los fans. Esta anécdota fue expuesta en la película española "ISI/DISI, Amor a lo bestia" dirigida por Chema de la Peña y protagonizada por Santiago Segura y Florentino Fernández.

En el año 2003 AC/DC fue inducido al Rock & Roll Hall of Fame. En octubre de 2004 la ciudad de Melbourne también hizo honor a la banda con una calle, la "ACDC Lane", al aprobar el Ayuntamiento la sustitución del nombre anterior: "Corporation Lane". Inscribieron "ACDC" porque la normativa de la ciudad no permite usar determinados símbolos como la barra "/" en los nombres de sus calles.

En el año 2005 se lanza el dualdisc de Back in Black y el DVD Family Jewels, que es una recopilación de los videos del la banda desde 1973-1990.

extraido de wikipedia

ACDC

2007-04-01T21:54:00.000-07:00

AC/DC es una banda de Hard Rock formada en Melbourne (Australia), en 1973, por los hermanos Malcolm y Angus Young. Sus álbumes han sido vendidos en numerosos países, con un total estimado de 150 millones de copias,y su álbum Back in Black vendiendo más de 21 millones en Estados Unidos y 42 millones en todo el mundo, haciéndolo el segundo álbum más vendido de la historia. Aunque el grupo es considerado como pioneros del rock pesado y el heavy metal junto con Kiss,Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath,sus miembros refirieron su música como rock & roll.
en la foto: Angus Young y Campino, cantante de la banda de punk rock Die Toten Hosen, en 2001.